Nach fünf Tagen geht heute in Osnabrück das 39. European Media Art Festival zu Ende. Wir freuen uns über das große Interesse an allen Screenings, Ausstellungen, Talks und Führungen. Allein die Eröffnung haben rund 1.000 Menschen besucht.

Am Vormittag ist beim Festival der EMAF-Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) vergeben worden. Die Auszeichnung geht an José Jiménez für „Lengua muerta/ Dead Tongue“ (CL 2025, 00:24:50), der in Osnabrück seine deutsche Premiere gefeiert hat. Darin geht es um Ricardo Rifo, der im Jahr 1980 von Ingrid Olderöck, der mächtigsten Frau der Geheimpolizei während der chilenischen Diktatur, zum Hundetrainer ausgebildet wurde. Vier Jahrzehnte später irrt der Bauer durch eine unwirtliche und verwüstete Landschaft, gequält von der Unmöglichkeit, das Grauen in Worte zu fassen.

Die Jury des Verbands der deutschen Filmkritik bestand in diesem Jahr aus Masha Matzke, Ursula von Keitz und Maja Roth. In ihrer Begründung heißt es: „`I want to tell you something, but I can’t´ ist kein voraussetzungsloser Satz. Im Halbdunkel einer rauen Küstenlandschaft konkretisiert sich ein einsamer von sechs Hunden begleiteter Wanderer. Auf seinem Weg, eine Erinnerung zu finden, bleibt das Gesicht jenes Wanderers abgewendet, seine Stimme konsequent vom Körper getrennt. LENGUA MUERTA, DEAD TONGUE von José Jiménez überträgt das Noch-nicht-Sagbare in die filmische Form. Die Fragmenthaftigkeit seines Gedächtnisses verbindet sich gekonnt mit einer Schwarzweiß-Ästhetik des Bruchs und der Leerstellen.

Die Kamera von Matías Illanes führt in stofflich dichten Naturaufnahmen durch undurchdringliches Dickicht und kahle Wüsteneien, durch eine malträtierte Landschaft, in die sich anhaltend die Grausamkeit der Pinochet-Diktatur einschreibt. In der Dauer, die diese Einstellungen zulassen, wird der gewalttätige Zugriff des Menschen erfahrbar: Waldrodungen, Schiffsfriedhöfe, Schutthalden, Stottern und Hundefletschen. Bild, Stimme und Geräusche vermitteln bis in die Blickhaft einer langen statischen Einstellung hinein eine physische Präsenz, die die Spuren der Gewalt sowohl im Sujet sucht, als auch sie in die grobkörnig-rauhe Materialität der filmischen Oberfläche projiziert.“

Eine lobende Erwähnung vergab die Jury an Maryam Tafakory für „Daria´s Night Flowers“ (IR, GB, FR 2025, 00:16:00), der ebenfalls beim EMAF seine deutsche Premiere gefeiert hat. Der Film handelt von Daria, die ihr erstes Manuskript verfasst hat, in dem sie von ihrer Liebe zu einem geheimnisvollen Mädchen namens „Abi“ [blau] erzählt. Die Nachtblumen in ihrem Garten verbergen die Geheimnisse eines Landes, in dem Liebesgeschichten zu alltäglichen Tatorten geworden sind, so die Synopsis.

Die Jury schreibt: „Wie zeigen, was in der offiziellen Repräsentation nicht gezeigt werden darf? Maryam Tafakorys sinnlich-poetische Montage von Fragmenten des iranischen Kinos kreiert ein Gegenarchiv, das durch Verdichtung von Gesten und Blicken das verborgene Begehren von Frauen im Iran als auch deren brutale Sedierung und Auslöschung freilegt. In der dichten, halluzinatorischen, zärtlichen wie haptischen Textur des Films wird die gewaltsame Verinnerlichung der Zensur kunstvoll mit der Externalisierung unterdrückter Emotionen und Realitäten verwoben und sinnlich erfahrbar gemacht.“

Weder der Preis noch die lobende Erwähnung sind dotiert. Der Grund: Beim EMAF werden seit dem vergangenen Jahr die bisherigen Preisgelder gleichberechtigt unter allen 30 ausgewählten Filmen der Internationalen Auswahl aufgeteilt.

Wir bedanken uns sehr herzlich bei unseren Besucher*innen, bei den zahlreichen Künstler*innen und dem ganzen Team für das gelungene Festival!

Ein besonderer Dank gilt unseren Sponsor*innen:

nordmedia Stadt Osnabrück Stiftung Niedersachsen Felicitas und Werner Egerland Stiftung Landschaftsverband Osnabrücker Land e.V. VGH Stiftung

sowie unseren Kooperationspartner*innen:

Kunsthalle Osnabrück Lagerhalle e.V. Cinema Arthouse Haus der Jugend hase29 BBK skulptur-galerie HFK Bremen HfG Karlsruhe Royal Academy of Art The Hague LUCA School of Arts Universität Osnabrück Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück

und unseren Medien- und Kulturpartner*innen:

Camera Austria Springerin kultur.west NDR Kultur Le Monde diplomatique der Freitag

Das 40. European Media Art Festival findet statt vom 21. bis 25. April 2027. Wir freuen uns auf ein Wiedersehen!

In gut einer Woche startet in Osnabrück das 39. European Media Art Festival - diesmal mit dem Themenschwerpunkt „An Incomplete Assembly“.

Eine der Festivalsektionen ist der EMAF Campus. Im Rahmen des Campus zeigen Klassen und Gruppen von Kunsthochschulen und Universitäten aktuelle Arbeiten und eigens für das Festival produzierte Projekte. In diesem Jahr sind Studierende aus Den Haag, Gent, Karlsruhe, Bremen und Osnabrück beim EMAF zu Gast und bespielen mit Installationen, skulpturalen Arbeiten, Performances und geführten Rundgängen sowohl Kunsträume als auch Orte im öffentlichen Raum.

Im Projekt von und mit Any Jackson Chaturanga der HFK BREMEN wird eine Turnhalle zum Ausgangspunkt für eine Auseinandersetzung mit Körpern in Erwartung und in Bewegung. In individuellen und kollektiven Choreografien erproben sie, was hör-, sag- und erfahrbar werden kann im Rahmen gesetzter Strukturen.

Visuelle und Soundkünstler*innen der LUCA – SCHOOL OF ARTS, GENT entwickeln Screenings und Interventionen im öffentlichen Raum, die sich im Dialog mit dem Ort und miteinander entwickeln. Sie entfalten sich als eine Art Komposition in Echtzeit, die die Politik vorgefundener Alltagsorte befragt.

Der Masterstudiengang Künstlerische Forschung der ROYAL ACADEMY OF ART, DEN HAAG ist mit Videoarbeiten, Installationen, Skulpturen und Performances vertreten, die um Musterbildung und Wiederholung, Infrastrukturen und Subversion sowie die Materialität und Bewegung von Erinnerung kreisen.

Die Colonial Crimes Unit der HFG KARLSRUHE nutzt forensische und spekulative Methoden, unterstützt durch eigens entwickelte technologische Hilfsmittel, um im Stadtraum von Osnabrück menschliche und nichtmenschliche Zeug*innen kolonialer Verbrechen aufzuspüren und dingfest zu machen.

Die Beiträge des Instituts für Kunst/Kunstpädagogik der UNIVERSITÄT OSNABRÜCK verweben Wissenschaft, Technologie und künstlerische Praxis. Sie verhandeln den offenen Prozess zwischen Regelwerk und Imagination und fragen, wie andere Codes, temporäre Allianzen und hybride Lernräume entstehen können.

Die MUSIK- UND KUNSTSCHULE DER STADT OSNABRÜCK entwickelt eine Rauminstallation, die sich mit sichtbaren und unsichtbaren institutionellen Strukturen und Codes auseinandersetzt.

Die Studierenden und ihre Lehrenden stehen Ihnen gern für Rundgänge und Interviews zur Verfügung. Bei Interesse oder bei Rückfragen wenden Sie sich einfach an presse@emaf.de.

Wir laden Sie herzlich ein, über das Festival mit all seinen unterschiedlichen Facetten zu berichten und freuen uns auf Ihren Besuch!

Kostenfreie Presse-Akkreditierungen sind noch bis zum kommenden Freitag erhältlich, ebenfalls über presse@emaf.de.

Picture Copyright: Cemre Eraslan, Den Haag

Wir freuen uns, Ihnen heute nähere Informationen zu den Talks & Workshops des diesjährigen European Media Art Festivals zukommen zu lassen.

Kuratiert und moderiert von Franziska Pierwoss befassen sie sich praxisorientiert mit den alltäglichen Realitäten der Kulturarbeit. Das Programm richtet sich an Filmemacher*innen, Kurator*innen, Organisator*innen und Studierende gleichermaßen und fragt, wie wir arbeiten – vor Ort, im Prozess und in Beziehung zueinander.

Während wir gern – und völlig zurecht – die Kontraproduktivität von Institutionen kritisieren, stellt dieses Programm eine andere Frage: Wie könnten produktive Antworten auf Zensur, institutionelle Feigheit und kollektive Erschöpfung aussehen?

Im Mittelpunkt des Programms stehen Methoden, die interventionistisch vorgehen: Projekte, wie das Alternative Denkmal für Deutschland (ADfD) des Alternative Monument collective, das sich öffentlichen Raum mit digitalen Mitteln aneignet. Ausgehend von queeren, feministischen und migrantischen Perspektiven widersetzt sich das Projekt fremdenfeindlichen Narrativen und wird im Rahmen von kollektiven Workshops kontinuierlich weiterentwickelt.

Die immersiven Spiele und Performances von Danielle Brathwaite-Shirley konfrontieren und demontieren festgefahrene Hegemonien. Danielles Arbeit begreift Archivierung als politische Praxis und verbindet sie mit Gaming als einer zeitgenössischen Form des kollektiven Austauschs über Identität, Privilegien und strukturelle Unterdrückung, die bestehende Erwartungen systematisch unterläuft.

Über die Theorie hinaus vermittelt das Programm konkrete Instrumente der Zusammenarbeit und stärkt Teilnehmende darin, bewusst andere strukturelle Ansätze in Institutionen, Festivals und der eigenen Praxis anzuwenden.

Das Gespräch mit der Filmemacherin Isidora Ilić und Gästen bietet Einblicke in die von Studierenden initiierte Protestbewegung in Serbien, die seit über einem Jahr erfolgreich Bildungseinrichtungen besetzt, um gegen Korruption und Missmanagement der Regierung zu protestieren.

In einem Versuch der Dominanz autoritärer Narrative und der Krise der Vorstellungskraft entgegenzuwirken, lädt Alicja Rogalska in ihrer Workshop-basierten künstlerischen Praxis die Teilnehmenden dazu ein, utopische Vorstellungen spielerisch auf die gelebte Realität anzuwenden.

Die Talks & Workshops laden das EMAF-Publikum herzlich dazu ein, Formen der (Selbst-)Organisation zu erproben und bestehende Strukturen und Institutionen herauszufordern.

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein. Wir laden Sie herzlich ein, dabei zu sein und darüber zu berichten!

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse und für kostenlose Presseakkreditierungen wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.

Picture Copyright: Alternative Monument collective

Wir freuen uns, Euch heute einen ersten Einblick in die Beiträge der diesjährigen Filmprogramme zu geben. Insgesamt wurden aus den Einreichungen des Open Call 30 aktuelle Kurz- und vier Langfilme ausgewählt, die in Dialog treten mit drei weiteren, historischen Filmen. Angesiedelt zwischen formalem Experiment und popkulturellem Spiel, dokumentarischem Rückblick und kritischer Gegenwartsanalyse zeigen diese Arbeiten die Wandlungsfähigkeit von Film als künstlerischem und politischem Medium.

Zahlreiche Kurzfilme setzen sich mit subversiver Energie und trotzigem Humor gegen verordnetes Schweigen und politische Ohnmacht zur Wehr. What We Said to Brussels Airlines (BE/CD 2026) des kongolesisch-belgischen Collectif Faire-Part befragt schonungslos die Widersprüche künstlerischer Auftragsarbeiten: Wie zum Beispiel umgehen mit dem Angebot einer belgischen Fluggesellschaft, die Filme des Kollektivs, die tief im antikolonialen Widerstand verwurzelt sind, auf ihren Flügen auszustrahlen? Die vier Künstler*innen lassen uns teilhaben an ihrem Nachdenken über Formen der Verstrickung und Möglichkeiten der Intervention. Alee Peoples‘ Slowest Smile (US 2025) verbindet Bilder und Töne, Theorie und Gesang zu einem unorthodoxen Versuch, den Niedergang eines Imperiums zu beschreiben: vom Wimmelbild kapitalistischer Ausbeutung zum Bildersturz in römischer Kulisse, vom langsamsten Lächeln zum sinkenden Schiff.

An die Stelle jener Infrastrukturen, die die scheinbare Normalität unserer Gegenwart stützen, setzen eine Reihe von Filmen gemeinsame Aktion und die informelle Weitergabe von Wissen. A Bundle of Silences (PR 2025) von Sofia Gallisá Muriente rekonstruiert einen Banküberfall aus dem Jahr 1983, bei dem eine puerto-ricanische revolutionäre Gruppe mehrere Milionen Dollar von einer US-amerikanischen Bank erbeutete. Der Protagonist der Aktion, Víctor Gerena, wurde bis heute nicht gefasst. In einer eigenwilligen Mischung aus persönlichen Rückblicken, Archivmaterial und mit Kaffee und Tabak entwickeltem Filmmaterial reflektiert die Arbeit über Erinnern und Schweigen. Tulapop Saenjaroen fragt in Local Sensations (TH 2026), wie wir die Gegenwart festhalten und Vergangenes vergegenwärtigen können ohne Rückgriff auf die gewaltvolle Ordnung des Monumentalen. Der Film verwebt grafisch gestalteten Text mit Aufnahmen kollektiver Prozesse: Instabile Formen aus Glas, architektonische Skizzen, musikalische Improvation und Streifzüge im öffentlichen Raum lassen flüchtige Topografien entstehen und setzen dem Monumentalen den Moment entgegen.

Weitere Kurzfilme von: Basma Al-Sharif, Stephanie Barber, Magdalena Bermudez, Arief Budiman, Anouk Chambaz, Lin Htet Aung, Onyeka Igwe, Daniel Jacoby, Juliane Jaschnow & Stefanie Schroeder, José Jiménez, Taufiqurrahman Kifu& Hattie Wade, Vika Kirchenbauer, Martin Moolhuijsen, Peng Zuqiang, Adam Piron, Leonardo Pirondi, Marta Popivoda, Steve Reinke, María Rojas Arias, Viktoria Schmid, Mike Stoltz, Elisabeth Subrin, Maryam Tafakory, Yuliya Tsviatkova, Utkarsh und Saarlotta Virri.

In den Langfilmen begegnen wir sehr persönlichen Auseinandersetzungen mit Orten und ihrem Fortleben in unserer verkörperten und medialen Erinnerung. Ausgangspunkt für Kamal Aljafaris jüngsten Dokumentarfilm sind wiedergefundene MiniDV-Aufnahmen aus Gaza, gefilmt im Jahr 2001. Aljafari begab sich damals auf die Suche nach einem Mann, den er 1989 während der Haft kennengelernt hatte. With Hasan in Gaza (PS/DE/FR/QA 2025) dokumentiert seine Reise vom Norden in den Süden Gazas, begleitet von Hasan, einem einheimischen Reiseführer. Eine in ihrer Direktheit ebenso dringliche wie zarte Begegnung mit Menschen, die der Gewalt der Besatzung widerstehen, an Orten, die so für immer ausgelöscht sind. In einem ganz anderen filmischen Register erzählt der animierte Langfilm Bouchra (US/IT/MA 2025) von Meriem Bennani und Orian Barki von einer jungen marokkanischen Filmemacherin, die in New York an einem autobiografischen Film arbeitet. Ihr eigenes Leben – ihre künstlerische Suche, ihre Liebesbeziehungen, das unklare Verhältnis zur Mutter nach ihrem Coming out –, verschränkt sich zusehends mit dem ihres filmischen Doubles. Bouchra bewegt sich elegant zwischen Zeiten und Orten, Selbstbefragung und Dialog, gelebter Erfahrung und ihren narrativen Verarbeitungen.

Auch in Nicolás Peredas Everything Else is Noise (MX/DE/CA 2026) vermischen sich die narrativen Ebenen. Der Film erzählt von drei zeitgenössischen Komponistinnen in Mexico City und von dem, was sie über sich selbst und über einander zu erzählen haben. Aufnahmen für ein Fernsehinterview in der Wohnung einer der Protagonistinnen setzen den Rahmen für ein Kammerspiel, in dessen Verlauf sich Zuneigung und Solidarität, Respekt und Rivalität zwischen den drei Frauen auf absurd-komische Weise überlagern, rhythmisch punktiert von Stromausfällen, einem bellenden Hund und dem Lärm der Straße.

Die unmittelbar politischen Dimensionen des Spiels mit Offenbarung und Camouflage der eigenen Person bearbeitet einer der historischen Dokumentarfilme. Underground (US 1976) von Emile de Antonio, Haskell Wexler und Mary Lampson basiert auf einem dreitägigen Interview mit führenden Mitgliedern des Weather Underground, einer militanten Gruppe, die den Umsturz der US-Regierung anstrebte. Im Wechsel mit Archivaufnahmen von revolutionären Bewegungen weltweit verbinden sich die Aussagen der Protagonist*innen – während sie der Kamera den Rücken zukehren, um ihre Identität zu schützen – zu einem differenzierten Porträt, das die massenmediale Darstellung der Gruppe widerlegt.

Weitere Langfilme von: Tenzin Phuntsog, Mohamed Soueid und Chetna Vora.

Expanded Cinema: Unburdened Recollections

Einen Blick zurück wirft auch die diesjährige Ausgabe der Expanded Cinema-Reihe Unburdened Recollections, die mit neuem Konzept fortgesetzt wird. Die Initiator*innen Anja Dornieden und Juan David González Monroy haben das Kurator*innenduo Mark Toscano und Zena Grey aus Los Angeles eingeladen, an zwei Abenden experimentelle Filme und Videos aus den 1960er und 70er Jahren zu zeigen. Ausgangspunkt ihrer Programme ist Gene Youngbloods Publikation aus dem Jahr 1970, in dem er Expanded Cinema als Kunstform beschreibt, die nicht nur den Film aus den Beschränkungen der Kinosituation befreit, sondern damit auch unsere Wahrnehmung und unser Bewusstsein erweitert.

Zu sehen sind Klassiker und Wiederentdeckungen von Arlo Acton & Terry Riley, Scott Bartlett, Jordan Belson, Tom DeWitt Ditto, Allan Kaprow, Yayoi Kusama & Jud Yalkut, Pat O’Neill, Lillian Schwartz & Ken Knowlton, John Schofill, Single Wing Turquoise Bird, Aldo Tambellini, Stan VanDerBeek & Ken Knowlton, James Whitney, John Whitney und Jud Yalkut & Nam June Paik.

Picture Copyright: Nicolás Pereda

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung An Incomplete Assembly in der Kunsthalle Osnabrück zeigt aktuelle, internationale Arbeiten der Medienkunst, die größtenteils über die jährliche öffentliche Ausschreibung ausgewählt wurden. Die versammelten Positionen entstanden in den vergangenen Jahren und reichen von Installationen über filmische Arbeiten und Installationen bis hin zu digitalen Interventionen.

Thematischer Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Versammlung: das Zusammenkommen von Stimmen, Bildern, Körpern und Zeitordnungen. Wo solche Konstellationen immer wiederkehren, Abläufe ritualisiert und Narrative stabilisiert werden, bilden sich institutionelle Strukturen. Sie organisieren Öffentlichkeit, regeln Teilhabe, markieren Zugehörigkeit, ordnen – und produzieren Ausschlüsse.

Institutionen erscheinen dabei nicht als statische Gebilde oder klar umrissene Organisation, sondern als performative Ordnung: als Gefüge aus räumlichen Anordnungen, medialen Rahmungen und zeitlichen Regimen, das Wahrnehmung strukturiert und Verhalten formt. Die beteiligten Künstler*innen untersuchen, wie solche Ordnungen entstehen – durch Wiederholungen, Synchronisierung, räumliche Setzung und narrative Codierung –, worin sie sich manifestieren und wie sie sich im Vollzug stets neu herstellen. Zugleich fragen sie, wo diese Gefüge brüchig werden und welche anderen Formen des Zusammenkommens darin sichtbar werden.

Robin Kötzles Zwei-Kanal-Installation Sehen wer wir sein (s|w)ollten analysiert die mediale Konstruktion politischer Ereignisse. Synchron laufen Ausschnitte aus der ostdeutschen Aktuellen Kamera und der westdeutschen Tagesschau, die über Proteste zwischen 1952 und 1991 berichteten. Wenn ein Ereignis im jeweils anderen System nicht vorkommt, bleibt der Bildschirm schwarz. In dieser formalen Präzision werden ideologische Rahmungen, sprachliche Codierungen und historische Leerstellen erfahrbar. Sichtbarkeit erweist sich als Resultat institutioneller Entscheidung – als etwas, das hergestellt und ebenso verweigert werden kann.

Bethan Hughes richtet in Built to Order I den Blick auf eine Wohnsiedlung in Berlin-Neukölln und untersucht Architektur als Projektionsfläche sozialer Vorstellungen. Archivmaterial, Found Footage und neu gedrehte Aufnahmen entfalten sich auf zwei einander gegenüberliegenden Screens, verdichtet im Zusammenspiel mit Skulptur, Licht und Klang. Hughes zeigt, wie Überwachung, Disziplinierung, Projektion und rassifizierte Zuschreibungen in gebaute Strukturen eingeschrieben sind. Architektur fungiert nicht als neutraler Hintergrund, sondern als aktive Mitproduzentin gesellschaftlicher Ordnung.

Bianca Baldi erweitert diese Perspektive um eine zeitliche Dimension. In Hear her calendar system a year of thirteen months geht sie von einer Fotografie eines Feigenbaums in Äthiopien aus dem Familienarchiv aus. Daraus entwickelt sie eine Auseinandersetzung mit kolonialen Verwaltungs- und Kalendersystemen. Video, Zeichnungen und eine Vokalkomposition überlagern lineare und zyklische Zeitmodelle. Der Baum erscheint als mehr-als-menschliche Zeugin historischer Gewalt und zugleich als Verkörperung alternativer Zeitvorstellungen. Geschichte wird hier nicht als abgeschlossene Chronologie, sondern als veränderbares Gefüge lesbar.

Sarah Reva Mohr untersucht Machtdynamiken in sozialen und physischen Räumen und im Verhältnis von Mensch und Tier. Auch die Arbeit sensational view, tired screams behandelt einen institutionell organisierten Raum: den Zoo von Barcelona. In der Installation entfaltet sich eine vielschichtige Analyse des Zoos als Ort zwischen Fürsorgeversprechen und Machtausübung. Unterschiedliche Perspektiven machen koloniale Blickregime und die Ästhetisierung von Kontrolle sichtbar. Der Zoo wird zur Apparatur, in der Sehen, Wissen und Hierarchie ineinandergreifen und sich gesellschaftliche Machtverhältnisse materialisieren.

In Jarramplas untersucht Yalda Afsah ein jahrhundertealtes Ritual im spanischen Piornal, bei dem ein kostümierter Dorfbewohner von der Menge mit Rüben beworfen wird. Die filmische Arbeit konzentriert sich auf die Struktur der Versammlung: auf die Verdichtung von Körpern, das kollektive Handeln und die Dynamik, die entsteht, wenn sich individuelle Gesten in einer Gruppe synchronisieren. Indem wesentliche Elemente des Geschehens außerhalb des Bildes bleiben, verschiebt Afsah den Blick vom folkloristischen Narrativ hin zu den Mechanismen, durch die Gemeinschaft sich formiert.

Mit dem Alternativen Denkmal für Deutschland verlagert das Alternative Monument collective die Auseinandersetzung mit institutionalisierter Erinnerung in den öffentlichen und digitalen Raum. Das Augmented-Reality-Projekt besitzt keine dauerhafte physische Form, sondern aktiviert sich situativ über mobile Endgeräte. Visuelle Collagen, skulpturale Elemente und Soundfragmente verbinden individuelle Narrative von Migration, Exil und Verdrängung. Das Monument entsteht hier nicht durch Materialität oder Dauer, sondern durch kollektive Aktualisierung. Erinnerung wird als vielstimmiger Prozess erfahrbar, der sich jeder endgültigen Fixierung entzieht. Im Rahmen der Talks, kuratiert von Franziska Pierwoss, öffnet ein Workshop mit dem Alternative Monument collective das „Alternative Denkmal für Deutschland“ als lebendige Plattform für Austausch und Experiment - und wird mit den Teilnehmenden untersuchen, wie ein zeitgemäßes Denkmal für Migration im öffentlichen Raum gemeinsam gestaltet werden kann.

Die Arbeiten in An Incomplete Assembly zeigen Institutionen als Choreografien von Bildern, Körpern und Zeitstrukturen, die Verhalten lenken und Zugehörigkeit organisieren. Indem sie mediale Leerstellen, architektonische Einschreibungen, zeitliche Raster und erinnerungspolitische Setzungen freilegen, eröffnen sie Räume, in denen Ordnung nicht als gegeben erscheint, sondern als verhandelbar.



Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse sowie für kostenlose Presseakkreditierungen wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.



Bildrechte: Bianca Baldi

In der Reihe Artist in Focus stellt das EMAF das filmische Werk namhafter zeitgenössischer Künstler*innen vor, teils auch im Dialog mit weiteren Filmen oder Beiträgen, die mit ihrem Werk in Verbindung stehen. In diesem Jahr präsentieren wir Arbeiten der im Libanon geborenen, in Berlin lebenden Künstlerin Marwa Arsanios (geboren 1978). Damit würdigen wir eine international beachtete künstlerische Praxis, in der Film und Recherche, politische Imagination und kritische Intervention eng miteinander verwoben sind.

Im Zentrum des Programms steht die seit 2017 fortlaufende, inzwischen fünfteilige filmische Serie Who Is Afraid of Ideology?. Darin begleitet Arsanios feministische Kollektive und Initiativen im irakischen Teil Kurdistans, in Syrien, im Libanon und Kolumbien, deren Einsatz für die Vergemeinschaftung und Rückgabe von Land mit ihrem Kampf um Selbstbestimmung Hand in Hand geht. In einem kontinuierlichen Prozess des Gesprächs und Austauschs portraitiert Arsanios Frauen, die in ländlichen Regionen kollektive, antikapitalistische und antipatriarchale Formen des Zusammenlebens praktizieren, die überlieferte Formen der Landnutzung gegenüber Privatisierung und kolonialer Besatzung verteidigen oder sich für die Wiederherstellung von historischem Gemeineigentum einsetzen. Die Weitergabe von Wissen, Solidarität und gegenseitige Unterstützung spielen dabei immer eine Rolle und werden auch in der filmischen Arbeit mit reflektiert.

Der aktuelle, fünfte Teil der Serie, Right of Passage (2026), entfaltet sich in der Welt des Traums. In ihr sind jene Grenzziehungen, die Eigentum und Territorium begründen, die Menschliches von Nichtmenschlichem und Vergangenes von Gegenwärtigem trennen, suspendiert. Ihre Durchlässigkeit ermöglicht die freie Passage unterschiedlicher „politischer Tiere“, die Artikulation traumatischer Verluste und Bildung neuer Allianzen.

Im Dialog mit ihren eigenen Arbeiten zeigt Arsanios Filme von Simone Bitton, Mohammad Malas und Reem Shilleh, die ergänzt und erweitert werden durch Workshops, Lesungen und Gespräche mit Ali AlAdawy, Haytham el-Wardany und Stefanie Baumann. Sie orientieren sich an Fragen, die Arsanios folgendermaßen skizziert:

„Wie können wir von Filmen lernen, die aus dem Land heraus entstehen, die in Landkonflikten verwurzelt sind und selbst zu pädagogischen Objekten werden? Welche filmischen Formen erwachsen aus der Topografie eines Ortes, seiner geografischen Beschaffenheit und seinen Böden? Und wie wird das Filmset seinerseits zu einem pädagogischen Raum für diese Konflikte?“

Bereits in ihren früheren Arbeiten reflektiert Arsanios das filmische Bild und ihre eigene Verstrickung in unterschiedliche Prozesse der Bilderzeugung zwischen dokumentarischem und fiktionalem Erzählen, militantem Filmemachen und künstlerischer Intervention. In Have You Ever Killed a Bear or Becoming Jamila (2014) begegnen wir der legendären algerischen Revolutionärin Djamila Bouhired in unterschiedlichen medialen Verkörperungen. Von der ikonischen Figur Bouhired ausgehend fragt Arsanios, wie die sozialistischen Projekte und nationalen Befreiungsbewegungen der Vergangenheit feministische Projekte befördert oder marginalisiert haben. In Amateurs, Stars and Extras or Labor of Love (2018) wird das Filmset zum Ort, an dem jene unsichtbaren Formen reproduktiver Arbeit erscheinen, die dem kapitalistischen System Stabilität und Dauer verleihen. In komplex gebauten, inszenierten und dokumentarischen Szenen sprechen Frauen in Mexiko und dem Libanon von Arbeit, Freizeit und Widerstand.

Zur Biografie:

Marwa Arsanios’ Arbeit kreist um strukturelle Fragen. Sie versucht Raum innerhalb von und parallel zu bestehenden Kunststrukturen zu schaffen, der das Experimentieren mit unterschiedlichen Formen der Versammlung ermöglicht – beginnend mit architektonischen Räumen, ihrer Transformation und Anpassungsfähigkeit, bis hin zu von Künstler*innen betriebenen Räumen und temporären Zusammenkünften. In den letzten Jahren widmeten ihr u.a. das Haus für Kunst Uri (2026), die Joan Miro Foundation (2025), das Artium Museum (2025), BAK Utrecht (2024), der Heidelberger Kunstverein (2023), Mosaic Rooms, London (2022) und das Contemporary Arts Center, Cincinnati (2021) Einzelausstellungen. Sie war außerdem an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen beteiligt, wie jüngst der Documenta 15 (2022), der Sydney Biennial (2022), der 11th Berlin Biennale (2020) und der Gwangju Biennial (2018). Ihre Filme werden regelmäßig auch bei internationalen Filmfestivals gezeigt.

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse und für kostenlose Presseakkreditierungen wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.

Bildrechte: Mariam Mekawi

In rund drei Monaten beginnt in Osnabrück das 39. European Media Art Festival. Wir möchten Sie heute über das diesjährige Thema informieren: An Incomplete Assembly.

Institutionen zielen darauf ab, flüchtige Verhältnisse wie Macht, Arbeit und Privilegien, aber auch Sprache und Emotionen möglichst effizient zu ordnen und diese Ordnung auf Dauer zu stellen. Welchen Nutzen haben sie für wen und auf wessen Kosten? Und unter welchen Bedingungen sind sie bereit, ihre einmal instituierte Ordnung zu verändern? Diese Fragen stellen sich auch im Hinblick auf die Rolle und Verantwortung von Kulturinstitutionen – und zwar nicht erst seit massive Angriffe auf die Freiheit der Kunst auch die Daseinsberechtigung ihrer Institutionen in Zweifel ziehen und die Ungleichheiten und Ausschlüsse in der Kulturszene mit besonderer Deutlichkeit vor Augen führen. Gleichzeitig ist zu vermuten, dass sich in jenen Codes of Conduct, Mission Statements und anderen schriftlichen Selbstverpflichtungen, mit denen immer mehr Kulturinstitutionen an die Öffentlichkeit treten, nicht nur ein zunehmender Druck von außen artikuliert, die eigene Ethik und Programmatik zu vereindeutigen, sondern auch eine innere Verunsicherung der Institutionen selbst. Gibt es ein Außen der Institutionalisierung, oder grundsätzlich andere Codes, Vereinbarungen und Formen der Versammlung, und wie könnten diese für Kunst und Kulturarbeit aussehen?

Im Rahmen des diesjährigen Themenschwerpunkts An Incomplete Assembly wollen wir in Talks, Ausstellungen, Filmprogrammen, Performances und Workshops betrachten, was Institutionen vermögen: welche Aussagen, Haltungen und Handlungen sie ermöglichen, welche sie aber auch übersehen, übergehen oder aktiv unterbinden; wie die Normierung von Sprache, Körpern, Räumen und Zeit bestehende Strukturen verfestigt, und wie künstlerische und nichtkünstlerische Bewegungen diesen normativen Ansprüchen begegnen.

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung denkt Institutionen als „performative Ensembles“, als choreografierte Abläufe, als kollektive Gefüge aus Rollen, Rhythmen und stillen Vereinbarungen, die sich lesen, anpassen, stören und improvisieren lassen. Die gezeigten Arbeiten nutzen Bewegung, Musik und gemeinschaftliche Situationen, um diese Ordnungen sichtbar sowie körperlich und zeitlich erfahrbar zu machen. Sie loten jene Räume und Möglichkeiten aus, die dort entstehen, wo Abläufe ins Stocken geraten, Rollen herausgefordert und Codes unterbrochen oder verschoben werden. Dabei zeigen sie, wie institutionelle Systeme Verhalten normieren, Zugehörigkeiten organisieren und zugleich form- und irritierbar bleiben.

Das Filmprogramm zum Thema, kuratiert von Ana Vaz, denkt Film jenseits der Rezeption abgeschlossener Werke. Es untersucht Praktiken, die den Herstellungsprozess nicht als Mittel zum Zweck, sondern als konstitutiven Bestandteil der Werke selbst betrachten. Jenseits von Fragen der Darstellung kommen damit die Bedingungen für die Entstehung bewegter Bilder in den Blick – seien sie filmisch oder performativ. Die Reihe fragt nach der Handlungsmacht ihrer Autor*innen, Beteiligten und Nutzer*innen und stellt Verbindungen her zwischen On- und Offscreen, Bühne und Backstage. Hier wird Film eher zu einer Form der Aufmerksamkeit, der Einstimmung aufeinander und des kollektiven Schaffens, zu einem Mittel für die Erprobung wünschenswerter und widerständiger Zukünfte.

Die von Franziska Pierwoss kuratierten Talks und Workshops befassen sich praxisorientiert mit den alltäglichen Realitäten der Kulturarbeit. Das Programm richtet sich an Filmemacher*innen, Kurator*innen, Organisator*innen und Studierende gleichermaßen und fragt, wie wir arbeiten – vor Ort, im Prozess und in Beziehung zueinander. Während wir gern – und völlig zu Recht – die Kontraproduktivität von Institutionen kritisieren, stellt dieses Programm eine andere Frage: Wie könnten produktive Antworten aussehen – auf Zensur, institutionelle Feigheit und kollektive Erschöpfung? Das Programm wendet sich Praktiken zu, die interventionistisch vorgehen, indem sie digital in den öffentlichen Raum eingreifen oder festgefahrene Hegemonien aufbrechen, und lädt dazu ein, sich innerhalb bestehender Strukturen zu organisieren und diese gleichzeitig herauszufordern.

In ihrer Reihe „What Is Needed“ betrachten Raquel Schefer und Philip Widmann die „Mostra Internacional de Cinema de Intervenção“, ein Festival, das 1976 im postrevolutionären Portugal stattfand. Es war der einzigartige Versuch, unterschiedliche Befreiungs- und Emanzipationsbewegungen miteinander zu verbinden. Das Nebeneinander militanter Filme aus dem Globalen Norden und Süden im Festivalprogramm deutet darauf hin, dass das kritische Potenzial des Kinos im Wesentlichen den Süd–Süd-Netzwerken audiovisueller Unabhängigkeit zu verdanken war. Aus der Perspektive der fünf Jahrzehnte, die seit der Mostra vergangen sind, beleuchtet die Reihe die Widersprüche einer Integration von „Intervention“ in die Institutionen einer postfaschistischen, liberal-demokratischen Gesellschaft, die entgegen aller Behauptungen an westlicher Vorherrschaft festhält. Die Reihe ist eine Kooperation mit Doc’s Kingdom und dem Projekt Paranational Cinema—Legacies & Practices an der Universität Zürich.

Die Kurator*innen:

Franziska Pierwoss arbeitet als Künstlerin mit Performance und Installation. Ihre Projekte untersuchen Lebensmittelsysteme als politische Symbole und Materialien innerhalb sozialer und finanzieller Sphären. Sie hat in Leipzig und Beirut studiert und ihre Arbeiten u.a. auf der Sharjah Biennale, in der nGbK, im Jameel Arts Centre und bei Urbane Künste Ruhr gezeigt.

Raquel Schefer ist Filmemacherin, Filmkuratorin und Associate Professor an der Universität Sorbonne Nouvelle in Paris. Sie ist Mitherausgeberin der Zeitschrift La Furia Umana und ehemalige Programmberaterin für die Festivals IDFA und Encuentros del otro cine (EDOC).

Inga Seidler ist eine in Berlin lebende freie Kuratorin und Projektmanagerin. Sie war Ausstellungskuratorin des transmediale Festivals und leitete das Web Residency Programm der Akademie Schloss Solitude. Seit 2021 kuratiert sie u.a. die Ausstellungen des EMAF.

Ana Vaz ist Künstlerin und Filmemacherin. Ihre Arbeiten befragen Film als Kunst des (Un-)Sichtbaren und Instrument zur Verwandlung der menschlichen Wahrnehmung. Sie beleuchten die tiefgreifenden Widersprüche unserer Zeit und insbesondere die destruktiven Praktiken der kolonialen Moderne.

Philip Widmann ist Researcher, Kurator und Filmemacher und arbeitet derzeit im Projekt „Paranational Cinema – Legacies & Practices” an der Universität Zürich. Er ist Herausgeber von Film Undone – Elements of a Latent Cinema, einer Sammlung von Zugängen zu nicht realisierten und unvollendeten Filmen.

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.

Medienkünstler*innen aus der ganzen Welt können ihre Arbeiten jetzt für die Sichtung zum European Media Art Festival 2026 einreichen. Die Online-Plattform unter https://emaf.filmchief.com/entry-forms ist ab sofort geöffnet.

Die Einreichfrist endet in diesem Jahr bereits am 22. Dezember 2025.

Wir freuen uns über aktuelle Arbeiten aus den Bereichen Film (experimentelle Kurz- und Langfilme), Installation (installative, interaktive, raumbezogene oder skulpturale Medienkunstarbeiten) und Expanded (Performances, Live-Events oder Workshops).

Das Einreichen von Arbeiten ist kostenfrei.

Unser internationales kuratorisches Team wird aus den eingereichten Arbeiten das Programm für das kommende Festival zusammenstellen. Für alle für das Festival ausgewählten Beiträge werden Künstler*innenhonorare gezahlt. Ein Premierenstatus ist nicht notwendig. Näheres zum Einreich- und Auswahlprozess sowie zu technischen Anforderungen sind unserem Reglement zu entnehmen.

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.

Nach fünf Tagen geht heute das 38. European Media Art Festival zu Ende. Mehr als 160 Filme, Installationen, Performances und Talks waren an neun verschiedenen Orten in der Stadt zu sehen und erleben. Einer der Höhepunkte: die Verleihung des EMAF Medienkunstpreises des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) heute Vormittag in der Kunsthalle Osnabrück. Ausgezeichnet wurde Daphné Hérétakis für ihre Arbeit What we ask of a statue is that it doesn’t move (GR, FR 2024, 31´).

Der Film beschäftigt sich mit der aktuellen politischen Lage in Griechenland: Nichts scheint sich in Athen zu bewegen, und die Menschen sind still wie Statuen. Doch anderswo in der Stadt flieht eine Karyatide aus dem Museum, und eine Splittergruppe fordert die Zerstörung aller Altertümer. Vielleicht ist das Filmemachen die einzige Möglichkeit, nicht zu Stein zu werden. So die Synopsis.

In der Begründung der Jury - bestehend aus Günter Minas, Bianca Jasmina Rauch und Hannes Wesselkämper - heißt es: „Mit anarchistischem Humor und changierend zwischen Dokumentation und Fiktion folgt die Regisseurin einer (fiktiven) Bürgerinitiative, die die Vergangenheit durchkreuzen, den Parthenon in Athen sprengen und stattdessen Statuen von Menschen unserer Zeit schaffen will. Das Erstarren angesichts der gegenwärtigen politischen Lage wird in neue Bewegung transformiert, jahrhundertealte Traditionen mit diebischer Freude über Bord geworfen. So stellt What we ask of a statue is that it doesn’t move auf kluge Weise die Frage in den filmischen Raum: Welche Überreste von uns würde die Archäologie der Zukunft vorfinden?“

Eine lobende Erwähnung erhält Crispin Yanisi für Tila•pia.

Beide Filme waren zuvor in der Internationalen Auswahl zu sehen. Erstmals in diesem Jahr werden alle der 31 dort gezeigten Arbeiten mit dem EMAF Award ausgezeichnet. Das Preisgeld wird in gleichen Teilen an die ausgewählten Künstler*innen vergeben, zusätzlich zu der üblichen Vorführgebühr. Die Preisträger*innen sind:

Lawrence Abu Hamdan, Ben Balcom, George Clark, Theo Cuthand, Chloë Delanghe & Mattijs Driesen, Sam Drake, Eitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann, Zachary Epcar, Kevin Jerome Everson, Laurence Favre, Maïder Fortuné, Daphné Hérétakis, Mina Heydari-Waite, Hyejin Jung, Ferney Iyokina Gittoma, Pranami Koch, Mónica Martins Nunes, Ella McConnell, Monica Panzarino, Franca Pape, Kanthy Peng, Martyna Ratnik, Jazmin Rojas Forero, Sylvia Schedelbauer, Silke Schönfeld, Lina Selander, Jonathan Seungjoon Lee, Micah Weber, Helena Wittmann, Crispin Yanisi und Else/Xun Zhang

Weitere Informationen zu den Filmen finden Sie hier

Allein am Abend der Eröffnung hat die Kunsthalle Osnabrück mehr als 900 Besucher*innen gezählt. Wir freuen uns über die vielen Besucher*innen, die das EMAF zum ersten Mal besucht haben, sowie über diejenigen, die schon seit Jahrzehnten zu unseren Gästen zählen.

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung “Witnessing Witnessing” in der Kunsthalle Osnabrück ist noch bis zum 25. Mai zu den regulären Öffnungszeiten der Kunsthalle zu sehen. Führungen finden jeden Sonntag um 16 Uhr statt und können außerdem über presse@emaf.de gebucht werden.

Wir bedanken uns für Ihr Interesse und freuen uns auf ein Wiedersehen im kommenden Jahr! Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis 26. April 2026 statt.

Bilder von der Preisverleihung, vom Festival sowie von den einzelnen Arbeiten lassen wir Ihnen bei Bedarf gerne zukommen. Wenden Sie sich dazu an presse@emaf.de.

In diesem Jahr sind Studierende der Kunsthochschulen aus Helsinki, Szczecin und Braunschweig sowie der Universität und Hochschule Osnabrück beim EMAF zu Gast und bespielen mit Ausstellungen, Filmprogrammen und Performances die Festivalkinos und ausgewählte Orte in der Osnabrücker Innenstadt.

Die Ausstellung der HBK Braunschweig präsentiert Arbeiten von Studierenden der Freien Kunst und Kunstpädagogik. Filme, Videos, Skulpturen, Performances und Installationen erörtern die Verbindungen zwischen individuellen Erfahrungen und gesellschaftlichen sowie politischen Zusammenhängen. Dabei geht es um verschiedene Perspektiven auf Fragen der Zeug*innenschaft.

It Will Be a Very Difficult Conversation ist ein Kurzfilm von Studierenden der Kunstakademie Szczecin, der auszudrücken versucht, wofür im Alltag die Worte fehlen: Wie begegnen wir Konflikten in unserer unmittelbaren Umgebung? Wie kann ich kritische Kunst produzieren, die vielleicht meine Nächsten beeinträchtigt? Wie gehe ich damit um, wenn ein Krieg die Community spaltet, aus der ich stamme?

In ihrem Film- und Performancevent Ensemble machen Studierende der Kunstakademie Helsinki grundsätzliche Fragen der gemeinsamen Erfahrung von Bildern und Räumen zum Thema. Für eine begrenzte Zeit öffnen sich Türen — zu einem Zuhause, zum Meer oder zu jemandes Haut. Stimmen, Soundscapes und das Licht der Projektoren führen das Publikum in den Raum und die Zeit ihrer Imagination.

Das Institut Kunst/Kunstpädagogik der Universität Osnabrück beteiligt sich mit Arbeiten, die in Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstler*innen entstanden sind. Sie wollen die menschlichen Grenzen bei der Verarbeitung von Informationen und der psychologischen sowie gesellschaftlichen Auswirkungen von Fehlinformationen und Informationsüberflutung bewusst machen.

Studierende des Medienlabors der Hochschule Osnabrück präsentieren Projekte, die sich mit den Mitteln von Virtual Reality, Al oder Physical Computing mit den Strategien politischer Manipulation, der Modellierung und taktilen Erforschung von Landschaften und neuen Formen der spielerischen Interaktion auseinandersetzen.

In der Behörde für Alltagszeugnisse der Musik- und Kunstschule Osnabrück werden persönliche Zeugnisse der Bürger*innen von den Mitarbeitenden systematisch administriert, geordnet und verwaltet. Persönliche Alltagszeugnisse wie Notizzettel, Kassenbons oder Kontaktlinsenschalen können von Bürger*innen im zuständigen Büro abgegeben werden.

Bilder zu den einzelnen Beiträgen sowie weitere Informationen stellen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de. Wir laden Sie herzlich ein, über das Festival zu berichten. Für Presse-vertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr - auch dazu wenden Sie sich gern an presse@emaf.de, auch wegen vergünstigter Hotelkonditionen.

Akkreditierungen sind noch bis einschließlich kommenden Freitag, 18. April, möglich.

Mit besten Grüßen vom Team des EMAF

Wenn Zeug*innen von Gewalt und Ungerechtigkeit ungehört bleiben, wo wird das, was passiert, registriert, wo wird es aufgehoben? Wie kann das, was bezeugt wurde, Geschichten schreiben, die noch nicht geschrieben wurden und die Macht eines systemischen Unwissens brechen, das gesellschaftliche Privilegien sichert? Mit diesen Fragen setzen sich in diesem Jahr die Talks des European Media Art Festival auseinander. Heute wollen wir Ihnen das Programm vorstellen.

Zeug*innenschaft ist selbst verstrickt in epistemische Gewalt: Ich sehe nur, was ich kenne, erkenne, zu erkennen gelernt habe. Ausgehend vom NSU-Komplex beschreibt Natascha Sadr Haghighian in Was ich noch nicht erkenne, jetzt in diesem Moment (2023) kollektive Ignoranz als Grundlage von strukturellem Rassismus und stellt dieser die Selbstbehauptung migrantisch situierter Erfahrung und Erinnerung entgegen. Der Titel der diesjährigen Talks I could swear my face was touching stone greift die affektiven Aspekte des Bezeugens auf. Er ist der Gedichtsammlung Land to Light On (1997) der kanadischen Schriftstellerin Dionne Brand entliehen. Brand hat sich in ihrer Poesie immer wieder mit der Frage des Bezeugens beschäftigt, mit der Lücke zwischen dem, was angetan, und dem, was davon berichtet wurde. Vor diesem Hintergrund widmen sich die vier Veranstaltungen, in denen die Beitragenden Kurzvorträge, Gespräche, Lesungen und Filme miteinander verknüpfen, den transhistorischen Dimensionen von Zeug*innenschaft sowie körperlichen und sensorischen Formen des Wissens.

Kuratiert und moderiert werden die Talks von Natascha Sadr Haghighian, Marc Siegel, Philip Widmann und Florian Wüst.


Technologies

Die Filmwissenschaftlerinnen Anaïs Farine (Beirut) und Irit Neidhardt (Berlin) befassen sich mit den wechselnden Kontexten von Bildern und Tönen aus und über Palästina. Sie diskutieren, inwiefern eine durch Film institutionalisierte Solidarität mit der palästinensischen Sache in Deutschland heute weitgehend verschwunden ist, und identifizieren aktuelle künstlerische und kuratorische Interventionen in einem Feld, in dem Technologien des Sichtbarmachens leicht den gegenteiligen Effekt haben können. Das Gespräch wird ergänzt durch eine breite Auswahl an audiovisuellem Material – von Filmen westdeutscher Filmcrews, die im Auftrag der PLO gedreht wurden, über aktuelle Experimentalfilme, die Found Footage aus dem kolonisierten Palästina des frühen 20. Jahrhunderts verwenden, bis hin zu der 2024 in Gaza entstandenen Kurzfilmkompilation From Ground Zero.

Magic

Die Stimmen der Unterdrückten werden für uns oft erst hörbar, wenn wir uns in herrschaftsfreies Terrain begeben, charakterisiert durch magische Störungen und nicht erwartbare Fantasien. Die Autorin und Philologin Sanabel Abdel Rahman (Tunis) und der Künstler und Forscher Ashkan Sepahvand (London) sprechen über Zeug*innen, die die koloniale Wirklichkeit durch Magie und Geschichtenerzählen aufbrechen. Abdel Rahman diskutiert Aspekte ihrer Forschungen zu magischem Realismus und Spuk als Elemente des palästinensischen Widerstands, während Sepahvand sich Figuren der Alterität widmet, die im Kontext des geopolitischen Niedergangs im modernen Iran entstehen.

Continuities

Im April 2024 berichteten die Rechts- und Islamwissenschaftlerin Nahed Samour und die Künstlerin Pary El-Qalqili beim EMAF über die Repression und das Silencing von Stimmen in Deutschland, die sich mit Palästina solidarisch zeigen. Ein Jahr später wirft Nahed Samour (Berlin) einen Blick auf den aktuellen Stand der Dinge: Wie lässt sich der gegenwärtige gesellschaftliche Zustand bezeichnen? Ist er bereits permanent geworden? Eine andere Form von Chronik ist das fortlaufende Projekt Corrections and Clarifications der Künstlerin Anita Di Bianco (Frankfurt am Main), in dem sie seit dem 1. September 2001 die täglich in Printmedien erscheinenden Widerrufe, Neuformulierungen, Differenzierungen und Entschuldigungen zusammenträgt. Di Bianco zeigt, dass die Vorstellung von historischen Brüchen selbst Teil der Fehldarstellung und Verzerrung ist.

Bodies

Der Autor und Kurator José B. Segebre (Berlin) reflektiert die Ästhetik des Wartens in der queeren, feministischen, schwarzen und dekolonialen künstlerischen Praxis. Im Mittelpunkt steht das Warten als eine zentrale Dimension des sumud (Standhaftigkeit), einer Praxis des Widerstands, die den palästinensischen Alltag innerhalb und außerhalb des historischen Palästina prägt. Ashkan Sepahvand spricht über Performances und Rituale um Tod und Sterben im Kontext der AIDS-Pandemie. Er nimmt dabei sowohl die historische Weitergabe von Wissen zwischen queeren Tänzer*innen und Choreograf*innen in den Blick als auch das Theater von Regisseur Reza Abdoh, der sich in seiner Arbeit auf die iranisch-islamische Performance-Tradition der ta’ziyeh bezieht.

Film- und Kunstprofessionals können sich noch bis zum 18. April hier für den Besuch des Festivals anmelden.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

31 Kurzfilme sind in diesem Jahr in der Internationalen Auswahl des 38. European Media Art Festivals in Osnabrück zu sehen. Gezeigt werden Arbeiten renommierter wie junger Künstler*innen aus aller Welt – zum großen Teil erstmals in Deutschland. In der Langfilm-Sektion treten neun aktuelle und historische Langfilme in Dialog. In vielen dieser Filme begegnen wir Gesten des Aufbegehrens und Widerstands gegen andauerndes Unrecht und soziale Ungleichheit. Künstler*innen spielen mit filmischen Genres, vor allem mit Elementen von Horror und Suspense, was auch mit einem Unbehagen an der Gegenwart zu tun haben mag. Ein weiteres zentrales Motiv ist das Wiederaufsuchen von persönlichen und politischen Geschichten im direkten Gespräch, aber auch in der Begegnung mit Orten und Landschaften. Die mehr oder weniger gezähmte Natur – der Garten, der Park, der Urwald – taucht dabei immer wieder auf als historischer Schauplatz, persönlicher Ankerpunkt oder utopischer Entwurf für ein anderes Zusammenleben.

Wir möchten Ihnen im Folgenden einige erste Eindrücke vom Programm vermitteln.

Internationale Auswahl

Mónica Martins Nunes‘ gemeinsam mit Deniz Şimşek realisierter Film Variations on How to Farm a City (2024) begleitet Gärtner*innen, die auf Brachen, zwischen Verkehr und immerwährenden Baustellen dem Herandrängen der Stadt eine andere Form von Zeit und Zusammenleben entgegensetzen: Pflanzen, Ernten, Essen und Reden als sich täglich erneuernde Gesten, dass man zu bleiben gedenkt. Das urbane Umfeld, in dem sich Zachary Epcars Sinking Feeling (2024) abspielt, sind die abstrakten Fluchten und spiegelnden Verzerrungen US-amerikanischer Büroarchitekturen, bevölkert von den Körpern und Stimmen dreier Personen. Die Erinnerung an einen Zwischenfall in einem Tunnel wird zum Auslöser für Tagträume und Phantasien von Kontrollverlust, Verausgabung und Verbindung.

Ein ständiges Summen in ihrem rechten Ohr wird für Jung Hyejin zum Auslöser für eine filmische Auseinandersetzung mit dem schmalen Grat, der Klang von Lärm trennt. In Noise: Unwanted Sound (2024) verbindet sie medizinische Untersuchung und gesellschaftliche Reflexion, Soundscapes und persönlich-poetische Selbst-erkundung, um zu zeigen, wie die Stimmen marginalisierter Menschen als Lärm stigmatisiert und als solche unterdrückt werden. Sylvia Schedelbauers Mother’s Letter (2025) ist der Versuch einer Annäherung der Filmemacherin an ihre Mutter. In Form eines Briefs wendet sich die Mutter an ihre Tochter, die mit Bildmaterial aus dem Familienarchiv antwortet und kommentiert. Aus dem Hin und Her der klassischen Briefform wird hier ein intimes Nebeneinander, das Konflikte und Nähe erahnen, und Raum für Fragen lässt, die offen bleiben.

Die vollständige Liste der Filme in der Internationalen Auswahl finden Sie hier.

Alle 31 Filme sind gleichberechtigte Preisträger des EMAF Award. Das bisher an Einzelwerke vergebene Preisgeld wird unter allen ausgewählten Filmen aufgeteilt. Eine Jury des Verbands der deutschen Filmkritik (VDFK) wird weiterhin den Medienkunstpreis des VDFK im Rahmen des EMAF vergeben. 


Langfilme

In Candela Sotos’ Film Yrupẽ (2025) verwebt sich die Suche nach einem verschollenen Wissenschaftsfilm von Guillermo Fernández-Zúñiga mit dem Eintauchen in Familiengeschichten und Nationalarchive. Während wir das langsame Wachstum einer Yrupẽ-Pflanze in einem Aquarium verfolgen, tauchen nach und nach Bilder und Stimmen auf, die eine Geschichte des Schweigens, der Verschleierung und der Zensur belegen. Im Sommer 1982 marschierte die israelische Armee in Beirut ein und plünderte das Archiv des Palestine Research Center. Es enthielt neben zahllosen historischen Dokumenten über Palästina auch eine Sammlung von Fotos und Bewegtbildern, die das israelische Verteidigungs-ministerium an sich brachte. In A Fidai Film (2024) eignet sich Kamal Aljafari diese Bilder wieder an und verknüpft sie zu einer Gegenerzählung, die aus dem Verlust eine über Jahrzehnte unterdrückte palästinensische Geschichte rekonstruiert.

The Soldier’s Lagoon (2024) von Pablo Álvarez Mesa begibt sich auf die Spuren von Simon Bolívars Kampf für die Befreiung Kolumbiens im Jahr 1819. Der Weg führt in die neblige Andenregion des Páramo, eine ökologisch komplexe Landschaft, in die Jahrhunderte von Gewalt und Trauma eingelagert sind. Aus filmischen Beobachtungen und Gesprächen mit Menschen vor Ort entsteht eine vielschichtige Reflexion über die Konstruktion von Geschichte und ihr Verhältnis zum Land. Mit Das falsche Wort entstand 1987 ein eindringliches Zeugnis für die systematische Vernichtung der deutschen Sinti durch die Nationalsozialisten. Katrin Seybold und Melanie Spitta, selbst Tochter einer Überlebenden, rekonstruieren anhand von unveröffentlichten Polizeiakten, Fotos und Dokumenten von Rassenforscher*innen sowie Erinnerungen der wenigen Überlebenden der Lager nicht nur den Völkermord selbst, sondern auch die Haltung einer Gesellschaft, die das Recht auf Wiedergutmachung ignoriert.

Die vollständige Liste der ausgewählten Langfilme finden Sie hier.

EMAF Extended

Nach Abschluss des Festivals wird neben der EMAF Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück auch der Dokumentarfilm exergue – on documenta 14 (2024) von Dimitris Athiridis zu sehen sein. Der Film begleitet den Künstlerischen Leiter der documenta 14 Adam Szymczyk und sein kuratorisches Team bei der Planung und Umsetzung einer der weltweit wichtigsten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst, die 2017 erstmals in Kassel und Athen stattfand. Diese Entscheidung löste schon im Vorfeld Kontroversen aus und führte zu einem Budgetdefizit und anschließendem Medienskandal. exergue bietet in 14 Kapiteln einen einzigartigen Blick hinter die Kulissen zeitgenössischer Kunstproduktion: das Spannungsfeld zwischen kuratorischer Arbeit und institutionellen Strukturen, lokaler Förderung und globalem Kunstmarkt, die Rolle zeitgenössischer Kunst in einer sich verändernden politischen Landschaft.


SPECTRAL

Auch in diesem Jahr wird das Kollektiv LaborBerlin im Rahmen von SPECTRAL die Vielfalt der analogen Filmpraxis vorstellen. Ein zentrales Werk der diesjährigen Präsentation ist die Wiederaufführung einer Multiprojektionsperformance, die Takahiko Iimura, ein Pionier des Expanded Cinema in Japan, gemeinsam mit dem Komponisten Alvin Lucier entwickelt hat. Dank der Zusammenarbeit von LaborBerlin mit den Forscher*innen von Collaborative Cataloging Japan wird die Performance erstmals seit den 1960er Jahren wieder live und analog zu sehen sein. Außerdem werden unter dem Titel S.P.A.C.E. EXPANDED performative und installative Expanded-Cinema-Arbeiten präsentiert, die in den letzten drei Jahren im Rahmen eines Residenzprogramms entstanden sind. Sie alle aktivieren den Projektionsraum auf besondere Weise und verwandeln ihn in einen Ort gemeinsamer Erfahrung.

Bilder zu den einzelnen Arbeiten sowie weitere Informationen stellen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de. Wir laden Sie herzlich ein, über das Festival zu berichten und im April dabei zu sein! Für Pressevertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr – auch dazu wenden Sie sich gern an presse@emaf.de, ebenfalls wegen vergünstigter Hotelkonditionen. Akkreditierungsschluss ist der 18. April.

Am 23. April wird in der Osnabrücker Kunsthalle das European Media Art Festival eröffnet. Dort wird auch die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung des EMAF 2025 zu sehen sein. Sie widmet sich dem Festivalthema Witnessing Witnessing und erforscht Zeug*innenschaft als aktive und performative Praxis, die über die bloße Dokumentation von Ereignissen hinausgeht. Die versammelten internationalen Künstler*innen nutzen digitale Medien, Video, VR, 3-D Scans, Skulptur, forensische Methoden oder Reenactment, um Zeug*innenschaft als moralischen, politischen und emotionalen Akt zu beleuchten. In ihren Installationen hinterfragen sie die Authentizität und Wahrheit von Medienproduktionen sowie die damit verbundenen Machtverhältnisse. Die Besucher*innen der Ausstellung sind eingeladen, Verbindungen herzustellen und sich kritisch mit den präsentierten Informationen auseinanderzusetzen. Gezeigt werden Arbeiten von Agil Abdullayev, Alisa Berger, Karolina Bregula, Doplgenger (Isidora Ilić und Boško Prostran), Hannah Hallermann, Flo Kasearu, Gabriela Löffel und Benedikt Terwiel. Vier von ihnen wollen wir Ihnen exemplarisch vorstellen:

Bei der Videoinstallation Illustrating the Request for Privacy der Künstlerin Flo Kasearu handelt es sich um eine dokumentierte Performance, die gemeinsam mit einer Gruppe von Frauen entwickelt wurde, die die Unterstützung des Pärnu Women’s Shelter (Pärnu Frauenhaus) nutzen. Jede fünfte Frau in Estland hat in ihrem Leben körperliche Gewalt erlebt, und jede zehnte hat auch sexuelle Gewalt erfahren. Dies sind die offiziellen Zahlen, die tatsächlichen Zahlen liegen mit hoher Wahrscheinlichkeit weitaus höher. Kasearu organisierte im NO99 Theater in Tallinn eine Performance mit den Frauen aus dem Pärnu Women’s Shelter. Über einen Zeitraum von zwei Stunden lasen die Frauen, die gemeinsam mit dem Publikum in einer den Gerichtsräumen nachempfunden Kulisse saßen, Passagen aus den Akten ihrer eigenen Gerichtsverfahren vor. In schwarz/weiß gedreht, konzentriert sich Illustrating the Request for Privacy ausschließlich darauf, wie die Frauen diese künstliche bürokratische Sprache vorlesen, die völlig losgelöst von den traumatischen Vorfällen erscheint. Die Arbeit zeigt damit einerseits den mutigen emanzipatorischen Akt dieser Frauen, verdeutlicht dabei aber gleichzeitig die Kluft zwischen den amtlichen abstrahierenden Aufzeichnungen und den persönlichen traumatischen Erfahrungen, mit denen die Betroffenen meist allein gelassen werden.

Das serbische Künstler*innenduo doplgenger (Isidora Ilić und Boško Prostran) kombiniert neu aufgenommenes und archiviertes Material in einer 2-Kanal-Videoinstallation. Record of the Termite Landscape (Snimak pejzaža termita) ist ein Videoessay, der Archivbilder von sozialistischen Bergarbeiter*innen Szenen des modernen Bergbaus in kapitalistischen Gesellschaften gegenüberstellt. Dabei beziehen sich doplgenger zum einem auf die Gedichte des jugoslawischen, revolutionären und surrealistischen Schriftstellers Oskar Davičos, auf den schon der Titel der Arbeit verweist, und zum anderen auf den Begriff der „Termiten-Kunst“ des Malers und Filmkritikers Manny Farber, die er selbst als künstlerische Praxis definiert, die „die Grenzen der eigenen Kunst konsequent überschreitet“. Die Künstler*innen hinter-fragen ihre eigene Herangehensweise, wollen den Horizont jenseits des Medienspektakels erkunden und Zeugnisse der Vergangenheit neu bewerten. In diesem Sinne bringen doplgenger verschiedene synchrone und diachrone Situationen und Bilder zusammen, um eine Debatte über das komplexe Puzzle politischer Ökonomie und ihrer unterschiedlichen Darstellungen anzustoßen.

Die Arbeit Grammar of Calculated Ambiguity basiert auf einer Audiospur, die die Schweizer Künstlerin Gabriela Löffel zwei Wochen nach der Veröffentlichung der Pandora Papers während einer Offshore-Finanzkonferenz aufgenommen hat. Diese mehrtägige Konferenz richtete sich exklusiv an Insider*innen der Finanzbranche, an Treuhänder*innen, Anwält*innen und Vermögensverwalter*innen, sozusagen an die Architekt*innen von Offshore-Strukturen. Gabriela Löffels Aufnahme dokumentiert eine Podiumsdiskussion über die Wahrnehmung der Offshore-Finanzindustrie in der Öffentlichkeit. Während der Finanzindustrie eine Schlüsselrolle im Zusammenhang globaler Krisen wie der Klimakrise und wachsender Ungleichheit zukommt, bleiben ihre Strukturen und Vorgehensweisen schließlich versteckt. Aufgrund der akustischen Bedingungen sind Teile der Aufnahme schwer verständlich. Expert*innen haben sie deshalb im Tonstudio mit Hilfe von forensischen Tontechnikern rekonstruiert. Diesen Übersetzungsprozess filmte Löffel und thematisiert dabei die Mehrdeutigkeit von Sprache: Während wir hören, wie Fachjargon unter anderem genutzt wird, um bestehende Gesetze zu umgehen, wird deutlich, dass Worte niemals neutral sind – selbst kleinste Nuancen können neue Bedeutungsräume eröffnen. Eine Komposition der Klangkünstlerin Olga Kokcharova ergänzt und interveniert in das Video und betont so die modulierbaren, porösen Formen der Installation.

Agil Abdullayevs Radicals in Between Trees and Dicks basiert auf einer vierjährigen Feldforschungsarbeit über queere Cruising-Kultur in Aserbaidschan und den angrenzenden Regionen des Kaukasus, Georgiens und Kasachstans - Umgebungen, in denen queere Identitäten kriminalisiert oder unterdrückt werden, in denen aber Cruising (die Suche nach anonymen Begegnungen im öffentlichen Raum) nach wie vor eine wichtige Praxis ist. Die Installation kombiniert Performances, Oral History-Zeugnisse und poetische Nachinszenierungen, um zu verdeutlichen, wie queere Geschichte und Gemeinschaft mit politischer Dringlichkeit in umkämpften Räumen verwoben sind. Auf drei Video-Kanälen zeigt sie verschiedene Perspektiven auf Cruising: physische Orte wie Parks und verlassene Gebäude, anonymisierte Interviews und abstrahierte Bildsprache durch Zeitlupen und Körperbewegungen. Agil Abdullayevs hinterfragt dominante Narrative und lädt ein, öffentlichen Raum durch eine queere Linse zu sehen. Dabei bezieht Abdullayevs auch Merkmale aus der aserbaidschanischen Filmgeschichte ein, insbesondere aus sowjetischen Filmen, die traditionelle Familienwerte und Maskulinität aufrufen, und verarbeitet diese in minimalistischen Tanzszenen. In der Arbeit geht es nicht nur um die Dokumentation von queeren Erfahrungen, sondern auch um das Schaffen von Räumen, in denen diese Geschichten erzählt und neu interpretiert werden können.

Die Ausstellung wird bis zum 25. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen sein.

Bilder zu den einzelnen Arbeiten sowie weitere Informationen stellen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de.

Mit der Sektion Artists in Focus würdigt das EMAF Künstler*innen, deren Praxis sich zwischen Kunst und Kino verortet und gängige Vorstellungen von filmischen Erzähl- und Arbeitsformen erweitert. Wir freuen uns sehr, in diesem Jahr New Red Order (NRO) als Artists in Focus begrüßen zu können – genauer: NRO and Company, denn neben Filmen der Hauptmitwirkenden Adam Khalil (Ojibway), Zack Khalil (Ojibway) und Jackson Polys (Tlingit) werden auch Arbeiten zu sehen sein, die in Zusammenarbeit mit Bayley Sweitzer, Maria Meinild, Anton Vidokle und anderen Konstellationen entstanden sind.

NRO ist eine öffentliche Geheimgesellschaft, die in Netzwerken von Mitwirkenden, Kompliz*innen und Informant*innen arbeitet. In Filmen, Installationen und Performances, in kollektiven Projekten wie Give It Back und mit Partnerorganisationen wie Creative Time setzt sich NRO mit einer kolonialen Siedlergesellschaft auseinander, die gleichermaßen von der Sehnsucht nach dem Indigenen wie der gewaltsamen Vernichtung und Vertreibung von indigenem Land und Leben geprägt ist. NRO stellt die Frage, wie diese Sehnsucht auf produktive und nachhaltige Weise kanalisiert werden kann: „Unser Ziel ist es, Schuld und Scham zu überwinden, nicht um sie zu beseitigen und hinter uns zu lassen, sondern um durch sie und jenseits von ihr etwas zu imaginieren, das Indigene Zukünfte im Blick hat und befördert.“ (NRO)

NRO verwenden in ihren Arbeiten eine Vielzahl von Formen und Strategien, die vom Genrekino und Experimentalfilm bis hin zu Werbefilm und Manifest reichen, immer verbunden mit Humor, Aufrichtigkeit und gewissenhafter Recherche. Ihr Ziel ist es, unsere politische Vorstellungskraft zu erweitern und Wege hin zu einer für alle lebenswerten Zukunft zu weisen.

„In unserer gemeinsamen Arbeit versuchen wir, geschickte und ungewöhnliche konzeptuelle Rahmungen zu entwickeln, die uns erlauben, die Widersprüche, Fehler und Traumata, die die Geschichte des kolonialen Projekts seit 1492 auszeichnen, zu untersuchen, neu zu arrangieren und sogar zu parodieren. Wir stellen die Sicherheit und Stagnation normativer Einstellungen im Hinblick auf diese schwierigen Themen in Frage und versuchen statt dessen, die Strukturen für konzeptuell fruchtbarere Vorstellungen davon zu schaffen, wie ‚Identität‘ und ‚Geschichte‘ in unserem gegenwärtigen Verständnis von Dekolonisierung, Versöhnung und Siedlerkolonialismus vermittelt und konfiguriert werden.“ (Adam Khalil)

Eine zentrale Arbeit im Programm ist der erste gemeinsam von Adam Khalil und Zack Khalil realisierte Langfilm INAATE/SE/ [it shines a certain way. to a certainplace/it flies. falls./] (2016), der die Prophezeiung der Sieben Feuer, eine Erzählung der Anishinaabe, aufgreift. Sie sagt den Erstkontakt mit den Europäern vorher, lange bevor dieser sich ereignete. In INAATE/SE/ gehen Adam und Zack den intergenerationalen Spuren dieser Erzählung in ihrer eigenen indigenen Gemeinschaft nach.

In Never Settle: The Program (2018) wechseln sich Bilder eines von Siedlerhand zerstörten Planeten ab mit gruppentherapeutischen Aktionen, in denen willige Siedler*innen ihren eigenen Wunschindigen zu werden erforschen und überwinden können. Als Video zur Anwerbung neuer Mitglieder angelegt, befragt NRO die Dynamiken von Kompliz*innenschaft, den Wunsch nach Wiedergutmachung und die Kooptierung indigener Anliegen durch Nicht-Indigene.

Nosferasta: First Bite (2021) von Adam Khalil, Bayley Sweitzer und Oba, einem in Brooklyn lebenden Künstler und Musiker aus Trinidad, übersetzt 500 Jahre kolonialer Zerstörung in die Sprache des Vampirfilms. Er folgt Oba, der als afrikanischer Sklave an einer Küste strandet, und Christoph Columbus, durch dessen Biss er zum Vampir wird, auf ihrem Weg durch die „Neue Welt“, die sie nach und nach kolonial infizieren. In einem unkonventionellen Stil- und Genremix erzählt Nosferasta von der Schwierigkeit Jahrhunderte vampirischer Konditionierung zu überwinden. Wie kann man dekolonisieren, was man selbst im Blut hat?

Die Filme von NRO und ihren oft langjährigen Mitstreiter*innen werden ergänzt durch zwei von Adam Khalil zusammengestellte Kurzfilmprogramme. In Anti Ethnography sind Filme aus mehreren Jahrzehnten zusehen, die sich aus indigener Perspektive mit dem ethnografischen Blick auseinandersetzen. Ein zweites Programm wird den europäischen Booklaunch von Temporal Territories. An Anthology of Indigenous Experimental Cinema** begleiten, einer jüngst vom **COUSIN Collective (Sky Hopinka, Adam Khalil, Alexandra Lazarowich und Adam Piron) herausgegebenen Publikation. In diesem Rahmen werden die Filme einiger der im Buch vorgestellten Künstler*innen zu sehen sein, unter anderen Walter Scotts neuer Kurzfilm Organza’sRevenge.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

Wir laden Sie herzlich ein, über die Vorbereitungen zum Festival zu berichten und im April dabei zu sein! Für Pressevertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr - wenden Sie sich gern vorab an presse@emaf.de, auch wegen vergünstigter Hotelkonditionen. Akkreditierungsschluss ist der 18.April.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen ebenfalls gern zur Verfügung.

Das EMAF gibt mit seinem Programm nicht nur einen jährlichen Überblick über das medienkünstlerische Schaffen der Gegenwart, sondern greift auch Entwicklungen und Diskurse auf, die unser gesellschaftliches Zusammenleben prägen – seien sie künstlerischer, technologischer oder politischer Art. Diese Auseinandersetzung findet insbesondere im Rahmen des Festivalthemas statt, dessen Ausarbeitung in den Händen eines jährlich wechselnden kuratorischen Teams liegt. Mit dem kommenden Themenschwerpunkt Witnessing Witnessing (Das Bezeugen bezeugen) möchten wir uns der Frage widmen, welche Rolle Zeug*innen gegenwärtig zukommt, wie Zeugnisse – Aussagen, Dokumente, einzelne Dinge oder ganze Archive – unseren Blick auf die Welt prägen und wie sie in politische Wirklichkeit hineinwirken können.

Was wir bezeugen oder als Zeugnis hinterlassen, ermöglicht anderen, sich ein Bild von der Welt zu machen, das über die Grenzen ihrer eigenen Erfahrung hinausreicht. Zeug*innenschaft stiftet dadurch Verbindungen zwischen individuellen und kollektiven, vergangenen und gegenwärtigen Erfahrungsräumen. Zeugnissen kommt auch deshalb eine wichtige Bedeutung zu, weil sie bisher ungehörte Stimmen ins Spiel bringen können. Sie können unhinterfragt überliefertes Wissen, aber auch unbewusste gesellschaftliche Verdrängungsprozesse in Frage stellen und damit nachhaltig verändern, was sag-, wahrnehm- und vorstellbar ist. Was passiert aber, wenn diese Prozesse unterbrochen werden? Wenn Zeugnisse ignoriert, aktiv geleugnet oder gegen die Bezeugenden selbst in Stellung gebracht werden? Und wie ist eine Vermittlung zwischen unterschiedlichen oder sich widersprechenden Aussagen über die Wirklichkeit möglich?

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung versteht Zeug*innenschaft als aktive und auch performative Praxis, die weit über die bloße Dokumentation von Ereignissen hinausgeht. Künstler*innen setzen digitale Medien, Video, Film und interaktive Installationen ein, um Zeug*innenschaft als moralischen, politischen und emotionalen Akt zu untersuchen. Sie hinterfragen die Authentizität und Wahrheit von Medienproduktion, indem sie die Verantwortung und die Machtverhältnisse beleuchten, die mit der Darstellung von Ereignissen, Geschichte, Trauma und Gewalt verbunden sind. Die Besucher*innen sind dazu eingeladen, selbst zu untersuchen, Verbindungen herzustellen und sich kritisch mit den präsentierten Informationen auseinanderzusetzen, um so Teil des prozessualen Aktes der Zeug*innenschaft zu werden.

Was können Kunst und Film tun oder sagen, in Zeiten, in denen ein live gestreamter Genozid begangen wird, dessen Verantwortliche ungestraft davonkommen? Das von Laura Huertas Millán kuratierte Filmprogramm untersucht eine Reihe unterschiedlicher künstlerischer Praktiken, die um Erinnerung, die Körperlichkeit von Widerstand und Performance als somatisches Archiv für die Überlieferung von Geschichte kreisen. Der Titel der Reihe, We sing to wing again, inspiriert von einem Vers der Dichterin Hoa Nguyen, verweist auf die nicht enden wollenden Zyklen kolonialer Gewalt, das Durchbrechen eines oppressiven Schweigens, das Bezeugen von Geschehenem und das Bewahren von Hoffnung.

Wenn Zeug*innen von Gewalt und Ungerechtigkeit ungehört bleiben, wo wird das, was passiert, registriert, wo wird es aufgehoben? I could swear my face was touching stone, der Titel der diesjährigen Talks, kuratiert von Natascha Sadr Haghighian, Marc Siegel, Philip Widmann und Florian Wüst, ist dem Gedicht Land to Light On (1997) der kanadischen Schriftstellerin Dionne Brand entliehen. Brand hat sich in ihrer Poesie immer wieder mit der Frage des Bezeugens beschäftigt, mit der Lücke zwischen dem, was angetan, und dem, was davon berichtet wurde. Die vier hybriden Veranstaltungen, die Panels, Vorträge, Lesungen und Filme miteinander verknüpfen, widmen sich der transhistorischen Dimension affektiver Zeug*innenschaft sowie den körperlichen und sensorischen Formen des Wissens.

Zu den Kurator*innen:

Laura Huertas Millán ist eine kolumbianische und französische Filmemacherin und Künstlerin. Sie lebt in Belgien. In ihren Filmen verbindet sie Fiktion, Ökologie, kritische Ethnografie und diasporische Narrative, um Geschichten des Widerstands und des Überlebens sichtbar zu machen.

Natascha Sadr Haghighian arbeitet mit unterschiedlichen Medien und widmet sich epistemischem Ungehorsam und diasporischen Infrastrukturen. Darüberhinaus unterrichtet sie Skulptur und Installation an der HfK Bremen.

Inga Seidler ist eine in Berlin lebende freie Kuratorin und Projektmanagerin. Sie war Ausstellungskuratorin des transmediale Festivals und leitete das Web Residency Programm der Akademie Schloss Solitude. Seit 2021 kuratiert sie u.a. die Ausstellungen des EMAF.

Marc Siegel ist Filmwissenschaftler, Kurator und Mitglied des Berliner Kunstkollektivs CHEAP. Er ist Professor für Filmwissenschaft an der Johannes Gutenberg-Universität in Mainz.

Philip Widmann forscht, kuratiert und macht Filme. Zurzeit arbeitet er als postdoctoral researcher im SNF-geförderten Projekt Paranational Cinema – Legacies and Practices an der Universität Zürich.

Florian Wüst arbeitet als Filmkurator, Künstler und Dozent in Berlin. Er kuratiert Filmprogramme für internationale Kunstinstitutionen, Kinos und Festivals, und ist Mitgründer der Berliner Hefte zu Geschichte und Gegenwart der Stadt.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Wenden Sie sich gern an presse@emaf.de.

Medienkünstler*innen aus der ganzen Welt können ihre Arbeiten jetzt für die Sichtung zum European Media Art Festival 2025 einreichen. Die Online-Plattform unter https://emaf.filmchief.com/entry-forms ist ab sofort geöffnet.

Wir freuen uns über Arbeiten aus den Bereichen Film, Installation und Expanded (Live-Projekte wie Performances, interaktive Arbeiten oder Workshops). Die Einreichfrist endet am 10. Januar 2025. Unser kuratorisches Team wird aus den eingereichten Arbeiten das Programm für das kommende Festival zusammenstellen.

Das Einreichen von Arbeiten ist kostenfrei. Für alle für das Festival ausgewählten Beiträge werden Künstler*innenhonorare gezahlt.

Neuausrichtung der Preise

Wir werden ab der kommenden Festivalausgabe die Preisvergabe neu ausrichten. Bisher wurden unter allen für den Internationalen Wettbewerb ausgewählten Filmen die drei Preise des Festivals vergeben. In Zukunft werden wir die vorhandenen Preisgelder paritätisch unter allen kurzen und mittellangen Filmen aufteilen, die für die künftig so genannte International Selection ausgewählt werden. Diese sind gleichberechtigte Gewinner des EMAF Award und erhalten ein Preisgeld von je 400,00 €.

Wir sind der Überzeugung, dass Filme keinen Wettbewerb brauchen, um ihre Besonderheit unter Beweis zu stellen. Unsere Filmauswahl und Programmierung baut auf den Dialog, der sich zwischen Filmen ebenso entfaltet wie zwischen Filmen und Publikum. Wir verstehen den Verzicht auf Wettbewerbe außerdem als einen weiteren Schritt hin zu mehr Fairness und Transparenz in der Festivalarbeit. Ähnlich wie die konsequente Zahlung von Künstler*innenhonoraren und die Absage an Premierenzwänge soll er das EMAF als einen Ort stärken, an dem Austausch und Begegnung den Vorrang haben gegenüber Konkurrenz und Exklusivität.

Eine Jury des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) vergibt unter allen Filmen der International Selection den EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik. Der Preis ist undotiert.

Deutsche Kurzfilme, die für die International Selection ausgewählt wurden, können gemäß den geltenden Bestimmungen der Filmförderungsanstalt (FFA) für die Vergabe von fünf Referenzpunkten berücksichtigt werden. Für den EMAF Medienkunstpreis der deutschen Filmkritik wird bei der Punktevergabe auch weiterhin zwischen Nominierung und Preisträgerfilm unterschieden.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Wenden Sie sich gern an presse@emaf.de.

Beim 37. European Media Art Festival sind am Samstagabend in der Kunsthalle Osnabrück die Preise vergeben worden.

Den EMAF Award für eine herausragende Arbeit in der Medienkunst erhielt die Künstlerin Monica Maria Moraru für I Am Also Part of the Three Turns. Der experimentelle Film zeichnet auf Grundlage fragmentarischer, mündlicher Überlieferungen die Auswirkungen eines Erdbebens in Bukarest und einer zeitgleichen Überschwemmung in der rumänischen Kleinstadt Buzau nach. Der EMAF Award ist mit 3.000 Euro dotiert. Der Dialog-Preis zur Förderung des interkulturellen Austausches geht an Peng Zuqiang für seinen Film The Cyan Garden, der sich um einen revolutionären Radiosender dreht, der nicht auffindbar sein sollte, und eine Airbnb-Wohnung, die eine Freundin des Künstlers in ihrer germeinsamen Heimatstadt betreibt. Der Preis ist mit 2.000 Euro dotiert. Hey Sweat Pea von Alee Peoples wird mit dem EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) ausgezeichnet. Er erzählt auf humorvolle und überraschende Weise davon wie, das Älterwerden der Eltern mit einem existenziellen Impuls in den Vororten von Los Angeles kollidiert. Der Preis ist mit 2.000 Euro dotiert.

Der EMAF Award und der Dialog-Preis wurden von einer Jury aus Medienkünstlerinnen und Kuratorinnen vergeben, der in diesem Jahr Marwa Arsanios, Adam Khalil und Pieter-Paul Mortier angehören. Die Filmkritiker*innen Alejandro Bachmann, Sebastian Markt und Gabriele Summen bildeten die Jury für den EMAF Medienkunstpreis des VdFk.

Der EMAF Award für I Am Also Part of the Three Turns gehe an Monica Maria Moraru „für die Auseinandersetzung mit der Geschichte des Erdbebens von Bukarest in 1977 und den Versuch, diese von den politischen Behörden instrumentalisierte, historische `sogenannte´ Naturkatastrophe neu zu schreiben“, urteilte die Jury. „Der Film zeigt die scheinbare Stabilität von Ordnungen, seien es natürliche oder politische, um jene Kategorien und unser Verhältnis zu ihnen zu hinterfragen.“ Die Jury sprach zudem eine lobende Erwähnung für Belfi von Ismaël Iken aus. Der Film erforscht die Faszination für ein abgebrochenes Stück einer goldenen Bankkarte, in der sich Fiktion und Realität vermischen.

Der Dialog-Preis für The Cyan Garden von Peng Zuqiang wird vergeben „für seine eindringliche und faszinierende historische Archäologie der Klänge und Stimmen eines Untergrund-Radiosenders“, begründet die Jury ihre Entscheidung. „Diese Ausgrabung von Stimmen der malaysischen Revolution lässt sowohl eine historische Intimität als auch die Geschichte des Intimen, wie es damals existierte, aufleben.“ Eine lobende Erwähnung vergibt die Jury an detours while speaking of monsters von Deniz Şimşek. Der Film erzählt die Jahrtausende alte Sage von einem Wassermonster, dessen Mythos auf die Vorfahren der Armenierinnen und Kurdinnen rund um den Vansee zurückgeht – eine Region, die die ethnische Säuberung beider Völker erlebt.

Mit Hey Sweet Pea von Alee Peoples zeichnet die Jury des EMAF Medienkunstpreises des Verbands der deutschen Filmkritik eine „in besonderer Weise überzeugende filmische Antwort“ aus, auf die Frage, wie man das Gefühl beschreibt, „dass ein gigantisches Nichts langsam alles auffrisst“, heißt es in der Begründung der Jury. „Indem man die Unendliche Geschichte, die man Kindern und Erwachsenen erzählt, aus der Virtualität holt und sie auf die konkrete Welt überträgt. Und indem man selbst mit fast nichts, nur den Dingen, die zur Hand sind, die sichtbar erfasst oder hörend wahrgenommen werden können, virtuos und bescheiden, verspielt und insistierend, deprimiert lachend Filme macht.“ Eine lobende Erwähnung in dieser Kategorie geht an Ann Carolin Renninger für Der Wind nimmt die mit. Der Film erzählt die Geschichte von Rovin, Maria und Christopher, die alle drei auf der Suche nach etwas sind.

Die Jurybegründungen finden Sie in voller Länge hier. Die Ausstellung des 37. EMAF ist noch bis zum 26. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen.

Das European Media Art Festival (EMAF) bedankt sich bei seinen Förderern, besonders bei der nordmedia, der Stadt Osnabrück, der Stiftung Niedersachsen, der VGH-Stiftung der Sievert Stiftung für Wissenschaft und Kultur und dem Landschaftsverband Osnabrücker Land e. V.

Wenn Sie Bildmaterial benötigen, wenden Sie sich gern an presse@emaf.de.

In wenigen Tagen beginnt in Osnabrück das 37. European Media Art Festival. Wir möchten Ihnen heute gern einen Überblick über unser Gesamtprogramm geben.

An den fünf Festivaltagen werden rund 100 Filme gezeigt werden – in den Kategorien Internationaler Wettbewerb, Langfilm, Artist in Focus, SPECTRAL.Unburdened Recollections und in den Themenprogrammen Feelers, Sensors. Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung Feelers, Sensors umfasst zehn Installationen, die noch über das Festival hinaus bis zum 26. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen sein werden. Sechs Talks und Performances vertiefen das Thema des Festivals und greifen aktuelle Diskussionen aus der bundesweiten Kulturlandschaft auf. Im Bereich Campus präsentieren neben der Uni Osnabrück und der Musik- und Kunstschule Osnabrück drei internationale Hochschulen eine Schau ihrer Arbeiten. Dazu zählen die Kabelvåg School of Moving Images aus Norwegen, die Kunstakademie KASK aus Gent und die Kunsthochschule für Medien (KHM) Köln.

Thema: Feelers, Sensors

Um uns in der Welt zu orientieren, stehen wir empfindend und wahrnehmend mit ihr in Verbindung. Wir tasten sie mit den Sinnen ab, justieren damit auch unsere Nähe und Distanz zu Anderen. Der EMAF-Themenschwerpunkt Feelers, Sensors geht in diesem Jahr der Frage nach, welche Rolle die sinnliche Wahrnehmung für die menschliche und nichtmenschliche Erfahrung von Welt spielt, und wie ein technologisch erweitertes Sensorium die Orientierung und Interaktion in der Welt verändert: die Welt anders teil- und mitteilbar macht.

Wir beobachten eine zunehmende Privatisierung von Raum, die sich auch in unserem sinnlichen Bezug zur Welt äußert, etwa wenn wir uns durch Noisecancelling von störenden äußeren Reizen abschotten. Online-Kommunikation, wie auch „smarte“ oder „sensible“ Technologien, verändern die Art und Weise, wie wir über unsere Sinne miteinander in Kontakt treten, und werfen dabei die grundsätzliche Frage auf, welche Formen der Inklusion oder Entfremdung sie befördern. Gleichzeitig können Begegnungen im physischen Raum – bei Demonstrationen oder Gruppenmeditationen etwa – sinnliche und emotionale Erfahrungen vergemeinschaften oder neu organisieren. Auch die Empfindungsfähigkeit nichtmenschlicher Lebewesen spielt eine immer größere Rolle, und damit die Verantwortung, die wir für ihre Lebensräume tragen. Was oder wer wahrgenommen, öffentlich gesehen oder gehört wird, ist auch eine politische Frage. Wie kann Leid mitteilbar bleiben, das die individuelle Wahrnehmungsfähigkeit übersteigt oder das Sprechen paralysiert? Wie entwickeln wir sensiblere Fühler und gerechtere Sensoren?

Filmprogramme

Die Filmprogramme zum Thema werden in diesem Jahr von drei Künstlerinnen kuratiert, die einen je eigenen Zugang zur Fragestellung wählen. Jamie Crewes Beitrag ist inspiriert von Beobachtungen aus der Anthropologie. In Film- und Soundarbeiten geht sie Momenten der Trance, der Entgrenzung und des Zungensprechens nach. Oraib Toukan stellt das Herz als grundlegendes Sinnesorgan in den Vordergrund – ein Organ, dessen Aufgabe es ist, zu sehen und zu hören. Anna Zetts Programm reflektiert das Filmemachen und Filmezeigen als eine partizipative, poetische Praxis, angetrieben vom Wunsch nach Verbindung. Ergänzt werden die Screenings durch Live-Performances und Wortbeiträge.

Im Internationalen Wettbewerb und der Langfilm-Sektion sind aktuelle Filme von international renommierten Filmemacher*innen und dem künstlerischen Nachwuchs zu sehen, die ein breites Spektrum experimenteller Arbeitsweisen abbilden. Inhaltlich drehen sich zahlreiche Filme um die Frage, wie wir aus der Vergangenheit für die Gegenwart lernen. Sie rekonstruieren historische Ereignisse, imaginieren alternative Geschichtsverläufe und lesen aus den Erinnerungen anderer mögliche Wege in die Zukunft ab. Das Verhältnis zu Land und Territorium stellt einen weiteren Schwerpunkt dar. Dokumentarisch und experimentell erzählen die Arbeiten von Ursprüngen und Orientierung, von Verlust und Migration und vom Wohnen und Bleiben.

Als Artist in Focus präsentiert das EMAF in diesem Jahr den britischen Künstler Phil Collins. Er ist international bekannt für Arbeiten, die mit den Mitteln von Film, Installation, performativen Situationen und Live-Events sozial marginalisierte Stimmen und Erfahrungen sichtbar machen. Basierend auf Dialog, oft langjähriger Zusammenarbeit und einer besonderen Sensibilität für lokale Kontexte entwickelt er Arbeiten, die zwischen Kunst, Politik und Popkultur angesiedelt sind: zwischen Clubkultur und Gefängnisindustrie, Karaoke und politischem Widerstand, Shoppingkanal und Theater. Die Reihe versammelt filmische Arbeiten aus über 20 Jahren.

Die erfolgreiche Kooperation mit dem Analogfilmkollektiv LaborBerlin, die im vergangenen Jahr unter dem Titel SPECTRAL begann, wird auch in diesem Jahr fortgeführt. Das gemeinsame Projekt hat sich der Wiederaufführung historischer Expanded Cinema-Arbeiten verschrieben und präsentiert in diesem Jahr analoge Mehrfachprojektionen und Filmperformances aus den 1960er- und 70er-Jahren.

Ausstellung: Feelers, Sensors

In den gezeigten Videoinstallationen, interaktiven und VR Arbeiten werden menschliche Sinneserfahrungen mit denen von anderen Spezies wie Bakterien, Insekten und Tieren kontrastiert und auf diese Weise vorherrschende anthropozentrische Sichtweisen infrage gestellt. Die Künstler*innen imaginieren neue Formen von Cyborgs sowie Hybride von Mensch Tier Bakterium, lassen Besucher*innen ihre Perspektiven einnehmen oder in den Dialog mit KIs treten. Sie laden die Besucher*innen dazu ein, darüber nachzudenken, wie die Wahrnehmungs- und sinnstiftenden Fähigkeiten verschiedener Entitäten sich gegenseitig formen, beeinflussen und verändern. Gezeigt werden Arbeiten von Caitlin Berrigan, Erik Bünger, Nieves de la Fuente Gutiérrez, Aay Liparoto, Rita Macedo, mots (Daniela Nedovescu und Octavian Mot), Tanita Olbrich, Petro Oliveira und Lotta Stöver.

Als Veranstaltungsorte sind in diesem Jahr die Kunsthalle Osnabrück, die Lagerhalle und das Filmtheater Hasetor, der Kunstraum hase29, das Haus der Jugend, das Museumsquartier Osnabrück und die skulptur galerie dabei.

Zur Eröffnung am Mittwoch, den 24. April, um 19 Uhr 30 in der Kunsthalle Osnabrück erwarten wir wieder mehr als 1.000 Besucher*innen. Am Samstagabend werden beim Festival drei Preise verliehen: der EMAF Award (dotiert mit 3.000 Euro), der Dialog Preis (dotiert mit 2.000 Euro) und der EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik (dotiert mit 2.000 Euro).

Für Rückfragen und Interviews stehen wir Ihnen gern zur Verfügung. Wenn Sie Bildmaterial benötigen, wenden Sie sich ebenfalls gern an presse@emaf.de.

Als wichtiger Treffpunkt für den künstlerischen Nachwuchs präsentiert der EMAF Campus aktuelle Projekte von Klassen führender europäischer Kunst- und Filmhochschulen. Wir möchten Ihnen heute die Klassen aus Deutschland, Belgien, Norwegen und Spanien vorstellen, die vom 24. bis zum 28. April eigens für das EMAF entwickelte Ausstellungen und Filmscreenings präsentieren werden.

Die Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) präsentiert anlässlich ihres 35-jährigen Bestehens eine breite Auswahl experimenteller Kurzfilme der letzten Jahrzehnte und zeigt studentische Produktionen unterschiedlicher medialer Formate: von der Web Serie zum Materialfilm, vom Found Footage Musikvideo zum autobiografischen Film.

Die Filmprogramme der Kunstakademie KASK aus Gent, die 2022 und 2023 von Masterstudierenden der Fachbereiche Film, Animation und Fotografie realisiert wurden, bewegen sich thematisch zwischen der Entfremdung von und dem Eintauchen in die eigene Lebenswelt.

Die Kabelvåg School of Moving Images aus Norwegen entwickelt unter dem Titel In the Belly of the Vacuum Cleaner ihre Ausstellung um das Bild des Staubsaugers, der, ähnlich wie unser Bewusstsein, die Umwelt in sich aufnimmt, sammelt und zu neuen (Un-)Ordnungen zusammen führt.

Die gemeinsame Ausstellung von Universität Osnabrück und Universidad de la Laguna Tenerife zeigt mit BLACKBIRDS SINGING IN THE DARK Perspektiven einer jungen Generation, die durch die aktuelle Präsenz von Krisen, Kriegen, sozialen Ungerechtigkeiten und gesellschaftlichen Traumata geprägt sind.

Harmony of Mindscape ist ein weiteres Projekt von Studierenden des Fachbereichs Kunst der Universität Osnabrück in Zusammenarbeit mit Schülerinnen der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück. Es lässt Besucherinnen spüren, wie sie auf bestimmte Reize reagieren und wann sich diese verändern.

Wir laden Sie herzlich ein, über das Festival zu berichten. Für Rückfragen stehen wir Ihnen jederzeit zur Verfügung.

Die Filmprogramme des EMAF bieten auch in diesem Jahr einen breiten Überblick über die experimentelle Filmkunst – von aktuellen Kurz- und Langfilmen bis hin zu historischen Arbeiten und Expanded Cinema. Zahlreiche Künstler*innen werden anwesend sein, um ihre Arbeiten vorzustellen und zu diskutieren. Zu sehen sind knapp 100 Filme und Filmperformances aus aller Welt.

Wir möchten Ihnen heute einen ersten Einblick in einige der Programme geben.

Internationaler Wettbewerb

Im Zentrum der Filmprogramme steht der Internationale Wettbewerb, der kurze und mittellange Arbeiten versammelt. Inhaltlich drehen sich zahlreiche Filme um Schichtungen von Raum und Zeit und die Frage, wie wir aus der Vergangenheit für die Gegenwart lernen. Sie rekonstruieren historische Ereignisse, imaginieren alternative Geschichtsverläufe und lesen aus den Erinnerungen Anderer mögliche Wege in die Zukunft ab. Das Verhältnis zu Land und Territorium stellt einen weiteren Schwerpunkt dar. Dokumentarisch und experimentell erzählen die Arbeiten von Ursprüngen und Orientierung, von Verlust und Migration sowie vom Wohnen und Bleiben.

Messaline Raverdys Ôte-toi de mon soleil (2023) dokumentiert einfühlsam die Begegnungen mit einem älteren Mann, der ein labyrinthisches Universum aus Gesammeltem und Angesammeltem bewohnt. Zwischen der Filmemacherin und ihm entwickeln sich beim Aufräumen mäandernde Gespräche über Wissen und Erinnern, über das Erfassen und Festhalten von Welt. Aus mündlichen Erzählungen, grob gerastertem Bildmaterial und allegorischen Tableaus rekonstruiert Monica Maria Moraru in I Am Also Part of the Three Turns (2024) zwei rumänische Landschaften, die zeitgleich von Naturkatastrophen betroffen waren. Persönliche Verluste und Improvisationen mit dem, was geblieben ist, überschneiden sich mit der staatlich gewollten Zerstörung von Raum und Errichtung neuer, gebauter Landschaften. Vika Kirchenbauers Essay-Performance-Video COMPASSION AND INCONVENIENCE (2023) befasst sich mit den ersten öffentlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in London Mitte des 18. Jahrhunderts. In einer Abfolge performter Szenen werden historische Quellen neu gelesen und in Bezug auf die institutionellen Bedingungen, unter denen heute Kunst sichtbar wird, zum Sprechen gebracht. Alee Peoples‘ Hey Sweet Pea wendet sich humorvoll und spielerisch dem Verschwinden zu. Zwischen reenacteten Mailboxnachrichten der eigenen Mutter und Anleihen beim Kinder-Sci-Fi Die Unendliche Geschichte öffnet sich ein Erzählraum, der das ganz reale Voranschreiten des Nichts, die Zerstörung unserer Umwelt, aber auch den Verlust von Nahestehenden zu fassen versucht.

Mit weiteren Arbeiten von: Razan AlSalah, Tolia Astakhishvili & James Richards, Boris Dewjatkin, Carl Elsaesser, Ismaël Iken, Mira Klug & Johannes Gierlinger, OJOBOCA, Peng Zuqiang, Leonardo Pirondi, Martyna Ratnik, Messaline Raverdy, Steve Reinke, Ann Carolin Renninger, Margaret Salmon & Maria Fusco, Reiji Saito, Clare Samuel, Deniz Şimşek, Jordan Wong, Xin Shen, Yu Wang, Micah Weber, Chris Zhongtian Yuan.

Artist in Focus

Wir freuen uns, Phil Collins als diesjährigen Artist in Focus zu präsentieren. Collins ist international bekannt für seine sozial engagierte Praxis an den Schnittstellen von Kunst, Politik und Popkultur. Er nutzt neben Film, Fotografie und Installation auch performative Situationen und Live-Events, um Aspekte gelebter Erfahrung und Stimmen, die häufig nicht beachtet oder unterdrückt werden, in den Vordergrund zu stellen. In einem neu beauftragten Essay beschreibt Dominic Paterson, wie Collins „normative Medienbilder strategisch reproduziert, um diese zu stören (oder zu queeren). Seine Arbeit erkennt die Macht dieser Bilder durch die Wiederholung ihrer stark determinierenden Effekte an – eine Eigenschaft, die in der Arbeit selbst immer performativ ist: immer eine Sache von auffälligen Gesten, Demonstrationen, inszenierten Posen und Wiederholungen. Diese demonstrativen und performativen Aspekte verweisen auf so unterschiedliche Vorbilder wie Harun Farocki und Alex Bag. Collins’ Arbeit der letzten Jahre widmet sich jedoch nicht nur der Kritik und Subversion bestehender Framings, sondern vermehrt auch der kollektiven Herstellung von Bedingungen, unter denen Gemeinschaben die Räume, in denen sie als sie selbst erscheinen und auftreten, auch selbst gestalten können.“ Neben anderen Filmen aus mehr als 20 Jahren ist Bring Down the Walls (2020) zu sehen, ein Plädoyer für die Abschaffung der amerikanischen Gefängsnisindustrie und Huldigung an den Dancefloor als Ort der Transzendenz und Befreiung, sein Dokumentarmusical Tomorrow Is Always Too Long (2014), eine moderne Stadtsinfonie und Liebeserklärung an Glasgow, sowie marxism today (prologue) (2010), der durch die persönlichen Geschichten zweier ehemaliger Lehrerinnen für Marxismus-Leninismus und einer olympischen Turnerin aus der DDR die politischen und sozialen Umwälzungen nach dem Fall der Berliner Mauer beleuchtet.

Expanded Cinema & Performances

Die Kooperation mit dem Analogfilmkollektiv LaborBerlin, die im vergangenen Jahr unter dem Titel SPECTRAL. Unburdened Recollections begann, wird auch in diesem Jahr fortgeführt. Das gemeinsame Projekt hat sich der Wiederaufführung historischer Expanded Cinema-Arbeiten verschrieben und präsentiert in diesem Jahr analoge Mehrfachprojektionen und Filmperformances aus den 1960er- und 70er-Jahren. Rekonstruiert wird ein Klassiker des Expanded Cinema von Malcolm Le Grice (kuratiert von Cinzia Nistico, Filmwerkplaats Rotterdam) sowie eine jüngst restaurierte Arbeit der niederländischen Künstlerin Babeth Mondini-VanLoo (kuratiert von Simona Monizza, Eye Filmmuseum Amsterdam). Im Rahmen eines Panels werden die beteiligten Künstler*innen und Kurator*innen über die Wiederaufführung und Archivierung von Live-Cinema sprechen und dabei auch ethische Fragen der Rekonstruktion historischer Werke thematisieren.

Neu für das Festival entsteht außerdem Kerstin Schroedinger & Oliver Husains Live- Streaming-Performance Hypericin Yellow-Red Movie (2024), basierend auf Recherchen zu alternativen AIDS-Behandlungsmethoden in der Bundesrepublik der 1990er Jahre. Experimentelle Medizin, photochemische Prozesse sowie alte und neue mediale Übertragungsmedien gehen hier unerwartete Verbindungen ein. Die Performance wird beim Festival und auf drip-drop.tv zu sehen sein. Zur Performance wird außerdem ein Filmprogramm präsentiert.

Für Interviews und Rückfragen stehen wir Ihnen gerne zur Verfügung. Auf Wunsch senden wir Ihnen gern filmstills zu.

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